Edición de «Performance»

[[Archivo: Marina Abramović, The Artist Is Present, 2010Marina Abramović, The Artist Is Present, 2010 (4422516908).jpg|miniatura|Plano cenital de la performance ''La artista está presente'' en el [[Museo de Arte Moderno de Nueva York]]]]
El '''''performance''''' (también denominada '''[[arte de acción]]''') es una disciplina artística creada a través de acciones realizadas por el artista u otros participantes, pudiendo ser en vivo, documentadas, espontáneas o escritas, presentada a un público dentro de un contexto expositivo, tradicionalmente [[Interdisciplinariedad|interdisciplinario]].<ref name="Sin-nombre-p2tn-1">{{cita web|título=Performance Art|url=https://www.tate.org.uk/art/art-terms/p/performance-art|editorial=Tate Modern|fechaacceso=20 de mayo de 2020}}</ref> El ''performance'' se ha desarrollado a lo largo de los años como un género propio, cuya obra necesita la presencia y ejecución de propio artista. Esta disciplina desempeña un papel importante y fundamental en el arte de vanguardia a lo largo del {{siglo|XX||s}}.<ref>{{cita web|título=Performance Art Movement Overview|url=https://www.theartstory.org/movement/performance-art/|editorial=The Art Story|fechaacceso=20 de mayo de 2020}}</ref><ref>{{cita web|título=Media & Performance|url=https://www.moma.org/learn/moma_learning/themes/media-and-performance-art/|editorial=Moma Museo of Modern Art|fechaacceso=20 de mayo de 2020}}</ref>

Tradicionalmente involucra cuatro elementos básicos: el tiempo, el espacio, el cuerpo o la presencia del artista en un medio, y la relación entre el creador y el público. Las acciones, generalmente desarrolladas en galerías de arte y museos, pueden tener lugar en la calle, cualquier tipo de escenario o espacio y durante cualquier período de tiempo.<ref>{{Cita publicación|url=http://www.celarg.org/int/archivos/taylor_estudios_avanzados_de_performance.pdf|título=Estudios avanzados de performance|apellidos=Taylor y Fuentes|nombre=Diana y Macela|fecha=2011|publicación=Fondo de Cultura Económica|fechaacceso=2019|doi=|pmid=|urlarchivo=https://web.archive.org/web/20190214223806/http://www.celarg.org/int/archivos/taylor_estudios_avanzados_de_performance.pdf|fechaarchivo=14 de febrero de 2019}}</ref> Su objetivo es generar una reacción, en ocasiones con la ayuda de la improvisación y el sentido de la estética. La temática suele estar ligada a procesos vitales del propio artista, a la necesidad de denuncia o crítica social y con un espíritu de transformación.<ref name=":01">{{Cita publicación|url=http://biblioteca.clacso.edu.ar/Argentina/cea-unc/20161202110720/pdf_1328.pdf|título=El concepto de performance según Erving Goffman y Judith Butler|apellidos=Franco Peplo|nombre=Fernando|fecha=2014|publicación=Colección Documentos de trabajo. Editorial CEA. Año1. Número 3|fechaacceso=2019|doi=|pmid=}}</ref>

El término ''performance'' procede de la expresión inglesa ''performance art'', con el significado de 'arte en vivo'; si bien los términos ''performance'' y ''performance art'' solo se usaron ampliamente en la década de 1970, la historia de la ''performance'' en las artes visuales se remonta a producciones futuristas y cabarets datados en la década de 1910.<ref name="Sin-nombre-p2tn-1"/><ref>{{cita web|título=Etimología de performance|url=https://etimologias.dechile.net/?performance|editorial=Etimologías de Chile|fecha=2019|fechaacceso=20 de mayo de 2020}}</ref> Los principales precursores y pioneros del arte de la ''performance'' son artistas como [[Carolee Schneemann]],<ref>{{cita noticia|apellidos1=Carreño Rio|nombre1=Rodrigo|título=Carolee Schneemann, Pionera y Referente|url=https://www.lemiaunoir.com/carolee-schneemann-pionera-y-referente/|fechaacceso=8 de junio de 2020|obra=Le MIau Noir}}</ref> [[Marina Abramovic]],<ref>{{cita noticia|título=Marina Abramovic, pionera del performance|url=http://www.thevault.com.mx/2018/04/04/marina-abramovic-pionera-del-performance/|fechaacceso=8 de junio de 2020|obra=The Vault|fecha=4 de abril de 2018}}</ref> [[Ana Mendieta]],<ref>{{cita noticia|título=Ana Mendieta, la pionera cubana de la performance, está en Madrid|url=https://diariodecuba.com/cultura/1581692712_11023.html|fechaacceso=8 de junio de 2020|obra=Diario de Cuba|fecha=14 de febrero de 2020}}</ref> [[Chris Burden]],<ref>{{cita noticia|apellidos1=Calvo|nombre1=Irene|título=Chris Burden, el body art y la performance de los 70: referentes actuales|url=https://www.ahmagazine.es/chris-burden/|fechaacceso=8 de junio de 2020|obra=Ah Magazine|fecha=14 de mayo de 2015}}</ref> [[Hermann Nitsch]], [[David Bowie]], [[Joseph Beuys]], [[Peter Gabriel]], [[Nam June Paik]] o [[Vito Acconci]], y los máximos exponentes en la actualidad, artistas como [[Tania Bruguera]], [[Abel Azcona]], [[Regina José Galindo]], [[Tehching Hsieh]], [[Marta Minujín]] o [[Piotr Pavlenski]]. Disciplina claramente ligada al ''[[happening]]'', al movimiento [[Fluxus]], al [[arte corporal]] y, en general, al [[arte conceptual]].<ref>Fischer-Lichte, Erika. The Transformative Power of Performance: A New Aesthetics. New York and London 2008, Routledge. ISBN 978-0415458566.</ref>

== Definición ==
La performance es una disciplina artística controvertida en cuanto a definición, contextualización histórica y pedagógica. Una de las dificultades surge desde la definición exacta del término, palabra con origen anglosajón que en su definición literal supone la idea contraria de lo que performance es. En una traducción literal encontraríamos términos símiles a ''actuación'' o ''representación'', ambos contrarios a la esencia del arte de la performance, nacida desde una postura antagónica a las [[artes escénicas]], casi crítica. Por lo que no debe entenderse desde su literalidad, ya que únicamente colinda con lo escénico, en algunos códigos como la audiencia o el cuerpo presente, y no siempre es así.<ref>{{cite book|last1=Carlson|first1=Marvin|title=Performance: A Critical Introduction|url=https://archive.org/details/performancecriti0000carl|publisher=Routledge|year=1998 (first 1996)|location=London and New York|pages=[https://archive.org/details/performancecriti0000carl/page/n10 1], 2|isbn=0-415-13703-9}}</ref>

El origen del término, en sentido estricto, está relacionado con las tradiciones [[Posmodernidad|posmodernistas]] de la cultura occidental. Según los críticos los orígenes deben datarse a principios del {{siglo|XX||s}}, pero el uso del término no es empleado hasta mediados de los años sesenta a los setenta. Vinculado y derivado en torno a conceptos de arte visual, en lo que respecta al [[Dadaísmo]], los [[Situacionismo|situacionistas]], [[Fluxus]], el [[Instalación (arte)|arte de la instalación]] y el [[arte conceptual]], el arte de la ''performance'' tendía a definirse inicialmente como una [[antítesis]] del teatro, desafiando las formas de arte ortodoxo y las normas culturales. Artistas como [[Regina José Galindo]] o [[Piotr Pavlenski]] reivindican la potencialidad política y discursiva de la performance, evolucionado la idea inicial en torno a una imagen visual meramente rupturista. El ideal de una obra performativa es crear una experiencia efímera y auténtica para el artista y para el público en un evento sin posibilidad de repetición, capturar o coleccionar.<ref>{{cite book|last1=Parr|first1=Adrian|title=Becoming + Performance Art|editors=Adrian Parr|work=The Deleuze Dictionary|publisher=Edinburgh University Press|year=2005|pages=25, 2|url=https://books.google.com/books?id=OsVOy4s1QLMC&printsec=frontcover#v=onepage&q&f=false|accessdate=26 de octubre de 2010|isbn=0748618996}}</ref><ref>{{cite book|last1=Carlson|first1=Marvin|title=Performance: A Critical Introduction|url=https://archive.org/details/performancecriti0000carl|publisher=Routledge|year=1998 (first 1996)|location=London and New York|pages=[https://archive.org/details/performancecriti0000carl/page/103 103]–105|isbn=0-415-13703-9}}</ref>

[[Archivo:Georgia O'Keeffe by Stieglitz, 1919.png|izquierda|miniatura|[[Georgia O'Keeffe]] fotografiada durante un proceso performativo]]Son muchos los teóricos que han vinculado y desvinculado el arte del performance de las artes escénicas, afirmando que, en su relación con lo escénico, al ser arte muy cercano y que potencia el proceso, sería más cercano a la idea de dramaturgia, que a la de teatro representado. La performance difiere completamente de la idea narrativa, lineal o formal que otras artes escénicas poseen, y no pretende ni surge desde un fin de entretenimiento, más bien de ruptura, interrupción o distorsión.

El filósofo, poeta y artista ''Eduardo Sanguinetti'' opera en el proceso performativo, hace seis décadas, según [[Jean Baudrillard]] y [[Pierre Restany]] como precursor en América Latina de la performance, respecto a Sanguinetti, quién opera en un modelo generativo implícito que informa lo que podríamos designar como el arte transformado: manifiesto, disrupción, cuerpos pintados, poesía emergente, sonidos, butoh, conforman la subsunción de formas artísticas, nunca lineales en su composición, presentación jamás ensayada, que se conglomeran invitando a los espectadores a ensayar todo tipo de fórmulas con ánimo participativo.
<ref>[https://books.google.com.ar/books/about/Eduardo_Sanguinetti.html?id=2d5cAAAAMAAJ&redir_esc=y]</ref>


Todas las definiciones y acercamientos a la ''performance'' la tratan como una experiencia visual y conceptual, donde el artista desafía a menudo al público a pensar en formas nuevas y no convencionales, a romper las convenciones de las artes tradicionales y a transformar la idea tradicional y académica definitoria del arte, meramente como una experiencia estética. A lo largo de las décadas, surgen movimientos, ideas y discursos dentro del campo de la performance, como por ejemplo los [[Accionismo vienés|accionistas vieneses]] y los [[Neodadaísmo|neodadaístas]], que prefieren emplear términos como «arte vivo», «[[arte de acción]]», «accionismo», «[[Intervención (arte)|intervención artística]]» o «maniobra» para describir sus obras performativas. Como géneros propios dentro del arte de la ''performance'' aparecen el [[arte corporal]], el movimiento [[Fluxus]], el ''[[happening]] o'' el arte [[Intermedia (arte)|intermedia]].

== Historia ==
=== Orígenes ===
La ''performance'' es una forma de expresión libre surgida para ser una alternativa de manifestación artística. La disciplina surgió en 1916 de forma paralela al [[Dadaísmo|movimiento dadaísta]], acogida bajo el paraguas y el nombre de [[arte conceptual]], y fue un movimiento capitaneado por [[Tristan Tzara]], uno de los pioneros de la corriente [[Dadaísmo|Dada]]. Han sido los teóricos de la cultura occidental los que han ubicado los orígenes de la ''performance'' a principios del {{siglo|XX||s}}, en los [[Constructivismo (arte)|constructivistas rusos]], [[Futurismo|futuristas]] y [[Dadaísmo|dadaístas]]. Dada fue un importante inspirador gracias a actuaciones poéticas lejanas a convencionalismos y los artistas [[Futurismo|futuristas]], especialmente algunos [[Futurismo ruso|futuristas rusos]], podrían identificarse dentro del proceso iniciático de la ''performance.''<ref>{{cita web|título=Performanceras y dadaístas|url=https://conlaa.com/performanceras-dadaistas/|editorial=Con la a|fecha=2020|fechaacceso=23 de mayo de 2020}}</ref><ref>{{cita noticia|apellidos1=Rojas|nombre1=Diego|título=La performance, esa forma radical y perturbadora del arte contemporáneo|url=https://www.infobae.com/cultura/2017/05/20/la-performance-esa-forma-radical-y-perturbadora-del-arte-contemporaneo/|fechaacceso=23 de mayo de 2020|obra=Infobae|fecha=20 de mayo de 2017}}</ref>
[[Archivo:Placa en Cabaret Voltaire retouched.jpg|izquierda|miniatura|Placa original del [[Cabaret Voltaire]] en [[Zúrich]]|alt=]]

==== Cabaret Voltaire ====
{{AP|Cabaret Voltaire}}
[[Archivo:Cabaret Voltaire Veranstaltung.JPG|miniatura|El [[Cabaret Voltaire]] en la actualidad en la calle Spiegelgasse 1 de [[Zúrich]]]]
El [[Cabaret Voltaire]] fue fundado en 1916 en [[Zúrich]] (Suiza) por la pareja [[Hugo Ball]] y [[Emmy Hennings]]. Respondió a fines artísticos y políticos y fue un lugar donde se experimentaron nuevas tendencias. Ubicado en la planta superior de un teatro, de cuyas serias exhibiciones se burlaban en sus espectáculos, las obras interpretadas en el cabaré tenían un perfil claramente vanguardista y experimental. Fue en los diez metros cuadrados que ocupaba el local donde algunos piensan que se fundó el Movimiento [[Dadá]].<ref>{{Cita web|url=https://www.myswitzerland.com/es/cabaret-voltaire.html|título=Cabaret Voltaire|fechaacceso=4 de marzo de 2018|sitioweb=MySwitzerland.com}}</ref> Además, los [[Surrealismo|surrealistas]], corriente que descendía directamente del [[dadaísmo]], solían usarlo como lugar de encuentro. Tras una breve existencia, de apenas seis meses, su clausura fue en el verano de 1916, en la cual se leyó el ''Manifiesto dadaísta'', y albergó las primeras acciones y ''performances'' de los dadaístas, presentaciones híbridas en torno a la poesía, el arte plástico, la música y acciones repetitivas, que en una visión global conformaban un concepto. Contaban con la participación además de miembros fundadores como [[Richard Huelsenbeck]], [[Marcel Janco]], [[Tristan Tzara]] y [[Sophie Taeuber-Arp]] y [[Jean Arp]] en eventos no pocas veces provocadores y escandalosos que resultaron fundamentales y base para la fundación del movimiento de arte anárquico conocido como [[dadaísmo]].<ref>{{Cita web|url=http://www.bbc.com/culture/story/20160719-cabaret-voltaire-a-night-out-at-historys-wildest-nightclub|título=Cabaret Voltaire: A night out at history's wildest nightclub|fechaacceso=4 de marzo de 2018|apellido=Sooke|nombre=Alastair|idioma=en}}</ref> 
[[Archivo:Grand opening of the first Dada exhibition, Berlin, 5 June 1920.jpg|alt=|izquierda|miniatura|Inauguración de la primera exposición [[Dadá]] el 5 de junio de 1920 en [[Berlín]].]]
El [[Dadaísmo]] nació con la clara intencionalidad de destruir cualquier sistema o código establecido, hasta el momento, en el mundo del arte.<ref name=":2" /> Es un pronunciamiento [[Movimiento antiarte|antiartístico]], antiliterario y antipoético, cuestionador de la propia existencia del arte, la [[literatura]] y la [[poesía]], no siendo únicamente una forma de crear, sino de vivir, una ideología total.<ref name="ref_duplicada_2" /> Se posiciona en contra de la belleza eterna, la eternidad de los principios, leyes de la lógica y la inmovilidad del pensamiento y claramente en contra de lo universal. Promueve un cambio, espontaneidad, inmediatez, contradicción, lo aleatorio, y en defensa del caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección, posicionamientos comunes a la idea de ''performance''. Enarbolan la provocación, el anti-arte de protesta y el escándalo, a través de medios de expresión, muchas veces irónicos o satíricos. Lo absurdo o carente de valor y el caos protagonizan sus acciones rupturistas con la forma artística tradicional.<ref name=":2">{{cita noticia|apellidos1=Lomelí|nombre1=Natalia|título=Cabaret Voltaire: El inicio del dadaísmo|url=https://culturacolectiva.com/arte/cabaret-voltaire-inicio-del-dadaismo|fechaacceso=23 de mayo de 2020|obra=Cultura Colectiva|fecha=28 de diciembre de 2015}}</ref><ref name="ref_duplicada_2">De Micheli, Mario: ''Las vanguardias artísticas del {{Siglo|XX||s}}'' ([[Ángel Sánchez-Gijón]], trad.). Madrid: Alianza Forma, segunda edición, 2002.</ref><ref>Albright, Daniel: ''Modernism and music: an anthology of sources''. [[University of Chicago Press]], 2004. ISBN 0-226-01266-2.</ref><ref>Elger, Dietmar: ''Dadaísmo''. [[Alemania]]: Taschen, 2004. ISBN 3-8228-2946-3.</ref>
[[Archivo:Marcel Słodki Cabaret-Voltaire-poster 1916.jpg|miniatura|Cartel original de la primera función de [[Cabaret Voltaire]] creado por Marcel Slodki (1916)]]

[[Archivo:Poshechina_obshestvennomu_vkusu.jpg|izquierda|miniatura|De izda. a dcha., los futuristas Benedikt Lifshits, Nikolái Burluik, Vladímir Mayakovski, David Burliuk y Alekséi Kruchónyj. Entre 1912 y 1913.|alt=]]

==== Futurismo ====
{{AP|Futurismo}}
El futurismo fue un movimiento artístico de vanguardia aparecido en 1909, originado como movimiento literario, aunque la mayor parte de sus exponentes fueron pintores. En sus comienzos también abarcaba el campo de la escultura, fotografía, música y cine. La [[Primera Guerra Mundial]] puso fin al movimiento, aunque en Italia se prolongó hasta los años 30. Uno de los países donde tuvo más influencia fue Rusia.<ref name=":4" /> En 1912 surgieron [[manifiesto]]s como el ''Manifiesto de la Escultura Futurista'' y de la ''Arquitectura Futurista'', y en 1913 el ''Manifiesto de la Lujuria Futurista'' ideado por [[Valentine de Saint-Point]], bailarina, escritora y artista francesa. Así, los futuristas difundían sus teorías mediante encuentros, reuniones y charlas en espacio públicos, que se acercaban a la idea de una concentración política, poesía, teatro de variedades anticipándose a la idea de la ''performance.''<ref name=":4">{{cita web|título=El Futurismo|url=http://www.ccapitalia.net/?p=1574|editorial=CCapitalia|fecha=14 de julio de 2005|fechaacceso=5 de junio de 2020}}</ref><ref name=lex>{{cita libro|apellidos1=Lajo Pérez|nombre1=Rosina|título=Léxico de arte|fecha=1990|editorial=Akal|ubicación=Madrid - España|isbn=978-84-460-0924-5|página=87|fechaacceso=26 de mayo de 2020}}</ref><ref>{{cita noticia|apellidos1=Bróccoli|nombre1=Betina|título=El futurismo: a cien años de la estética de la velocidad|url=http://argentinainvestiga.edu.ar/noticia.php?titulo=el_futurismo_a_cien_anos_de_la_estetica_de_la_velocidad&id=676|fechaacceso=5 de junio de 2020|obra=Argentina Investiga|fecha=29 de junio de 2009}}</ref>

==== Bauhaus ====
{{AP|Bauhaus}}
[[Archivo:Bauhaus-Dessau main building.jpg|miniatura|Escuela [[Bauhaus]] en la actualidad]]
La [[Bauhaus]], fundada en [[Weimar]] en 1919, incluyó un taller de escénicas experimentales con el fin de explorar las relaciones entre el cuerpo, el espacio, el sonido y la luz. El [[Black Mountain College]], fundado en [[Estados Unidos]] por instructores de la Bauhaus original en el exilio, exiliados por el Partido Nazi, continuó incorporando estudios escénicos experimentales dentro de la formación de las artes visuales. Veinte años antes de los acontecimientos relacionados con la historia de la performance en los años sesenta.<ref>Essers, V., «La modernidad clásica. La pintura durante la primera mitad del {{Siglo|XX||s}}», en ''Los maestros de la pintura occidental'', volumen II, Taschen, 2005. ISBN 3-8228-4744-5, pág. 555</ref> El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, ''construcción'', y Haus, ''casa''; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.<ref>{{cita noticia|apellidos1=Esaak|nombre1=Shelley|título=Performance Art 1960s-Present|url=https://www.thoughtco.com/performance-art-history-basics-182390|fechaacceso=7 de junio de 2020|obra=Thought CO|fecha=3 de julio de 2019}}</ref><ref>{{Cita web| url = https://www.elmundo.es/1997/09/01/cultura/01N0054.html| título = Unesco declara la Bauhaus Patrimonio de la Humanidad | autor = Gema Casadeval |fecha = 1 de septiembre de 1997|editorial= [[El Mundo (España)|El Mundo]] | fechaacceso = 7 de junio de 2020| idioma = español}}</ref>

==== Action painting ====
{{AP|Action Painting}}
En las décadas de 1940 y 1950, la técnica o movimiento del [[action painting]] posibilitó a los artistas la libertad de interpretar el lienzo como un espacio en el que actuar, convirtiendo así las pinturas en rastros del proceso de creación del artista en su estudio.<ref name="cork" /> Según el crítico de arte [[Harold Rosenberg]], fue uno de los movimientos iniciáticos de la ''performance'' junto al [[expresionismo abstracto]]. El ''action painter'' por antonomasia es [[Jackson Pollock]], realizando muchas de sus acciones en vivo.<ref>{{cita noticia|título=Jackson Pollock, el artista de acción|url=https://totenart.com/noticias/jackson-pollock-accion/|fechaacceso=20 de mayo de 2020|obra=Totenart|fecha=2019}}</ref> A destacar nombres como [[Willem de Kooning]] y [[Franz Kline]], con pinturas abstractas y acción.<ref name=cork>{{Cita web|url=http://www.visual-arts-cork.com/history-of-art/action-painting.htm|título=Action Painting Technique: Definition, Characteristics |idioma=inglés |fechaacceso=26 de mayo de 2020}}</ref><ref>{{cita web
| url = http://www.poetrymagazines.org.uk/magazine/record.asp?id=9798 | urlarchivo = https://web.archive.org/web/20160410120628/http://www.poetrymagazines.org.uk/magazine/record.asp?id=9798
| fechaarchivo = 10 de abril de 2006| título = ''The American Action Painters'' | apellido = Rosenberg |nombre = Harold|idioma=inglés |fechaacceso=26 de mayo de 2020}}</ref><ref name=artsy>{{Cita web|url=https://www.artsy.net/gene/action-painting|título=Action Painting Artsy|idioma=inglés |fechaacceso=26 de mayo de 2020}}</ref>

==== Nuevo realismo ====
{{AP|Nuevo Realismo}}
El Nuevo realismo es otro de los [[movimiento artístico|movimientos artísticos]] citados en los inicios de la performance. Movimiento de pintura fundado en 1960 por el crítico de arte [[Pierre Restany]] y el pintor [[Yves Klein]], durante la primera exposición colectiva en la galería [[Apollinaire]] de [[Milán]]. El Nuevo realismo fue, junto con [[Fluxus]] y otros grupos, una de las numerosas tendencias de la [[vanguardia]] de los años 1960. [[Pierre Restany]] creó varios montajes de ''performance'' en la [[Tate Modern]] entre otros espacios.<ref>{{cita web|título=Pierre Restany, ‘Modern Magic at the Tate’, Studio International, June 1968|url=https://www.tate.org.uk/research/publications/performance-at-tate/resources/reviews-and-articles/stuart-brisley-pierre-restany-studio-international|obra=Tate Modern|fecha=June 1968|fechaacceso=20 de mayo de 2020}}</ref> Uno de los máximos exponentes del movimiento es [[Yves Klein]] siendo claro precursor de la ''performance'' con piezas conceptuales como ''Zone de Sensibilité Picturale Immatérielle'' (1959-62), ''Anthropométries'' (1960), y obras como el fotomontaje ''Saut dans le vide''.<ref>Hannah Weitemeier ([[Hannah Weitemeier|de]]), ''Yves Klein, 1928–1962: Internacional Klein Blue'', traducido por Carmen Sánchez Rodríguez (Cologne, Lisbon, Paris: Taschen, 2001), 8. ISBN 3-8228-5842-0.</ref><ref>Gilbert Perlein & Bruno Corà (eds) & al., ''Yves Klein: Long Live the Immaterial!'' ("An anthological retrospective", catalog of an exhibition held in 2000), New York: Delano Greenidge, 2000, ISBN 978-0-929445-08-3, p. 226</ref> Todas sus obras tienen conexión con la ''performance'' al ser creadas desde una acción en vivo, siendo conocidas sus obras pintadas a partir de cuerpos de mujeres. Los miembros del grupo veían el mundo como una imagen, de la que ellos tomarían partes y las incorporarían a su obra. Buscaban unir lo más posible la vida y el arte.<ref>{{cita noticia|apellidos1=Oybin|nombre1=Marina|título=La revolución del color: tras las huellas de Yves Klein|url=https://www.lanacion.com.ar/opinion/la-revolucion-del-color-tras-las-huellas-de-yves-klein-nid1866164|fechaacceso=20 de mayo de 2020|obra=La Nación|fecha=31 de enero de 2016}}</ref><ref>{{cita web|título=Un salto al vacío. Yves Klein y el nuevo arte del Siglo XX|url=https://www.flacso.org.ar/formacion-academica/yves-klein-y-el-nuevo-arte-del-siglo-xx/|editorial=Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales|fechaacceso=20 de mayo de 2020}}</ref><ref>{{cita web|apellidos1=Selfridges|nombre1=Camilla|título=Movimientos Del Arte (Tras Yves Klein)|url=https://crisolhoy.com/2017/10/23/movimientos-del-arte-tras-yves-klein/|obra=Crisol Hoy|fecha=23 de octubre de 2017|fechaacceso=20 de mayo de 2020}}</ref>

==== Gutai ====
{{AP|Gutai}}
Otro de los movimientos anticipadores de la ''performance'', si no formulado explícitamente, fue el grupo japonés [[Gutai]] que realizaban arte de acción o ''[[happening]]''. Nació en 1955 en el entorno de la región de [[Kansai]] ([[Kioto|Kyōto]], [[Osaka|Ōsaka]], [[Kōbe]]). Sus principales miembros fueron [[Jirō Yoshihara]], Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, Saburō Murakami, Katsuō Shiraga, Seichi Sato, Akira Ganayama y Atsuko Tanaka.<ref name=":5" /> El grupo Gutai nace de la terrible experiencia de la [[Segunda Guerra Mundial]]. Rechazan el [[consumismo]] [[Capitalismo|capitalista]], realizando acciones [[Ironía|irónicas]], con un sentimiento de crispación, con una agresividad latente (ruptura de objetos, acciones con humo). Influenciaron a grupos como [[Fluxus]] y artistas como [[Joseph Beuys]] y [[Wolf Vostell]].<ref name=":5">{{cite web|url=https://nymag.com/nymetro/arts/art/reviews/9937/|title=Everything Is Illuminated|website=NYMag.com}}</ref><ref>{{cite book|last= Barnes|first=Rachel|title=The 20th-Century art book.|year=2001|publisher=Phaidon Press|location=London|isbn=0714835420|edition=Reprinted.}}</ref><ref>{{cite news|title=A Visual Essay on Gutai|year=2012|publisher=Flash Art International|page=111|issue=287|volume=45|ISSN=0394-1493}}</ref>

==== Land Art y performance ====
{{AP|Land Art}}
A finales de la década de 1960, artistas de [[Land Art]] tan diversos como [[Robert Smithson]] o [[Dennis Oppenheim]] crearon piezas ambientales que predicen el arte ''performance'' de la década de 1970. Obras de artistas conceptuales de principios de los años ochenta, como [[Sol LeWitt]], que convirtió el dibujo mural en un acto de ''performance'', fueron influenciadas por [[Yves Klein]] y también por los artistas de Land Art.<ref>{{cita noticia|apellidos1=López|nombre1=Ianko|título=LAND ART: el arte de los misterios de la tierra|url=https://www.revistaad.es/arte/articulos/land-art-vueleve/19545|fechaacceso=22 de mayo de 2020|obra=AD Magazine|fecha=7 de noviembre de 2017}}</ref><ref>{{Cita web|url=http://www.elcultural.com/revista/arte/Earth-Art-o-la-naturaleza-en-el-museo/26162|título=Earth Art o la naturaleza en el museo|fechaacceso=5 de junio de 2020|sitioweb=www.elcultural.com}}</ref><ref>{{Cita web|url=http://www.nga.gov/content/ngaweb/exhibitions/2016/from-los-angeles-to-new-york-dwan-gallery.html|título=Los Angeles to New York: Dwan Gallery, 1959–1971|fechaacceso=5 de junio de 2020|autor=National Gallery of Art|enlaceautor=|fecha=|idioma=|sitioweb=|editorial=}}</ref> El [[Land art]] es una corriente del [[arte contemporáneo]] en la que el paisaje y la obra de arte están estrechamente enlazados. Utiliza a la naturaleza como material (madera, tierra, piedras, arena, viento, rocas, fuego, agua etc.) para intervenir en sí misma. La obra generada es a partir del lugar en el que se interviene, que algunas veces parece un cruce entre [[escultura]] y [[arquitectura]], en otras un híbrido entre escultura y [[Paisajismo|arquitectura de paisaje]] en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. Al incorporar el cuerpo del artista en proceso de creación de la obra, se relaciona con códigos similes al inicio de la performance.

<gallery mode="packed">
Archivo:Valentine de Saint-Point 1914 (2).jpg|Retrato a [[Valentine de Saint-Point]] en su espacio de creación
Archivo:1916 Olga Rozanova oblozhka Zaumnaya kniga.jpg|Portada intervenida de la futurista rusa Olga Rozanova (1912)
Archivo:Willem de Kooning in his studio.jpg|Retrato a [[Willem de Kooning]], pintor de [[action painting]] en su estudio
Archivo:Gutai_Venice1.jpg|Instalación del grupo Gutai, en la [[Bienal de Venecia]] de 2009
Archivo:Blickachsen-7--23-dennis-oppenheim-hg-004.jpg|Instalación de [[Dennis Oppenheim]] en [[Hesse]], [[Alemania]]
Archivo:Spiral Jetty Smithson Laramee.jpg|Obra de [[land art]] de [[Robert Smithson]]
Archivo:Restany-Brajo-Verdet1972web.jpg|Retrato a [[Pierre Restany]] en una de sus inauguraciones
Archivo:Klein Beaubourg 2007.jpg|Suelta de 1001 globos azules, la "sculpture aérostatique" de [[Yves Klein]].
</gallery>

=== Años 1960 ===
[[Archivo:Warhol's_Exploding_Plastic_Inevitable_with_Nico.png|miniatura|Performance de ''Exploding Plastic Inevitable'' de Ann Arbor]]
En los años sesenta, desde la idea de evolucionar la idea generalizada del arte, con principios similares a los originarios en el [[Cabaret Voltaire]] o en el [[Futurismo]], una variedad de nuevas obras, conceptos y un creciente número de artistas dieron lugar a nuevos tipos de ''performance''. Surgieron movimientos claramente diferenciados como el [[Accionismo vienés]], ''performance'' de vanguardia en [[Nueva York]], [[arte procesual]], la evolución del [[The Living Theatre|Living Theatre]] o los ''[[happening]]'', pero sobre todo la consolidación de los nombres propios precursores de la ''performance''.<ref>{{cita web|título=La evolución de la performance desde los 60/70|url=https://diarium.usal.es/mcusa/2011/05/04/la-evolucion-de-la-performance-desde-los-6070/|editorial=Universidad de Salamanca|fecha=4 de mayo de 2011|fechaacceso=5 de unio de 2020}}</ref>
[[Archivo:Weltverwandlung.jpg|izquierda|miniatura|Precursores del [[Accionismo Vienés]] en conversación durante una exposición en la Fundación [[Hermann Nitsch]]]]
==== Accionismo Vienés ====
{{AP|Accionismo Vienés}}
El término [[Accionismo Vienés]] (''Wiener Aktionismus'') comprende un controvertido y breve movimiento artístico del {{siglo|XX||s}} recordado por lo violento, grotesco y visual de sus obras.<ref>{{cita noticia|apellidos1=Lapidario|nombre1=Josep|título=Pintura, sangre, sexo y muerte: en las tripas del accionismo vienés|url=https://www.jotdown.es/2016/01/pintura-sangre-sexo-y-muerte-en-las-tripas-del-accionismo-vienes/|fechaacceso=27 de mayo de 2020|obra=JotDown}}</ref> Se enmarca dentro de la vanguardia austriaca de la década de 1960, con el fin de llevar el arte al terreno de la ''performance'', y está relacionado con el [[Fluxus]] y [[Body Art]]. Entre sus máximos representantes se encuentran [[Günter Brus]], [[Otto Muehl]] y [[Hermann Nitsch]], que desarrollaron la mayor parte de sus actividades accionistas entre 1960 y 1971. Hermann Nitsch presentó en 1962 su ''Theatre of Orgies and Mysteries'' (Orgien und Mysterien Theater), precursor del arte ''performance'', cercano a las artes escénicas.<ref>{{cita web|título=Accionismo Vienés|url=http://www.caac.es/prensa/dossiers/not_accionism.pdf|editorial=Centro Andaluz de Arte Contemporáneo|fechaacceso=27 de mayo de 2020}}</ref><ref>{{cita noticia|título=Accionismo vienés o el lenguaje brutal del cuerpo|url=https://medium.com/fuga-incendios/accionismo-vienés-o-el-lenguaje-brutal-del-cuerpo-c631e2e52656|fechaacceso=5 de junio de 2020|obra=Medium|fecha=18 de julio de 2016}}</ref><ref>{{cita web|apellidos1=Ramis|nombre1=Mariano|título=Accionismo Vienés|url=https://proyectoidis.org/accionismo-vienes/|editorial=IDIS|fecha=21 de abril de 1965|fechaacceso=5 de junio de 2020}}</ref>

==== Nueva York y la performance de vanguardia ====
[[Archivo:Photos from The Velvet Underground Era (Andy Warhol's Factory) (3223536662).jpg|izquierda|miniatura|Exposición con fotografías de [[The Velvet Underground]] y [[Andy Warhol]] Factory]]
Durante los primeros años de la década de 1960, la ciudad de [[Nueva York]] acogió muchos movimientos, eventos e interés en torno al arte ''performance''. Entre otros, [[Andy Warhol]] comenzó a crear películas y videos,<ref>{{cite web|url=https://www.warholstars.org/andy_warhol_films.html|title=Andy Warhol Films|author=|date=|website=www.warholstars.org}}</ref> y a mediados de dicha década patrocinó [[The Velvet Underground]] y escenificó eventos y actuaciones performativas en [[Nueva York]], como el [[Exploding Plastic Inevitable]] (1966), que incluía música rock en vivo, luces explosivas y películas.<ref name="Aspen">{{Cita publicación|título=From the research laboratories of Andy Warhol comes this issue of Aspen Magazine|fecha=abril de 1967|url=https://www.ubu.com/aspen/advertisements/aspen3Ad.html|publicación=Evergreen Review|volumen=11|número=46}}</ref><ref name="BWJ">{{Cita publicación|enlaceautor=Branden W. Joseph|fecha=Summer 2002|título='My Mind Split Open': Andy Warhol’s Exploding Plastic Inevitable|publicación=Grey Room|volumen=8|páginas=80–107|doi=10.1162/15263810260201616}}</ref><ref name="blaetz">{{Cita libro|apellidos=Osterweil|nombre=Ara|apellidos2=Blaetz|nombre2=Robin, editor|título=Women's Experimental Cinema: Critical Frameworks|fecha=2007|editorial=[[Duke University Press]]|isbn=9780822340447|página=143}}</ref><ref name="MT">{{Cita libro|autor=Martin Torgoff|título=Can't Find My Way Home: America in the Great Stoned Age, 1945-2000|editorial=Simon & Schuster|ubicación=Nueva York|año=2004|página=156|url=https://books.google.com/books?id=PpqQTLE_qBEC&printsec=frontcover&dq=can%27t+find+my+way+home&hl=en&sa=X&ei=XKuaVZTGK4TJsAXzkp-ICA&ved=0CB4Q6AEwAA#v=onepage&q=the%20silver%20dream%20factory&f=false|isbn=0-7432-3010-8}}</ref>

==== The Living Theatre ====
{{AP|The Living Theatre}}
[[Archivo:The Living Theatre - The Brig, 1. May 2008.jpg|miniatura|The Living Theatre presentando su obra ''The Brig'' en Myfest 2008 en Berlin-Kreuzberg.]]
Indirectamente influyentes para el ámbito de la ''performance'', particularmente en Estados Unidos, fueron las nuevas formas de teatro, encarnadas por San Francisco Mime Troupe y [[The Living Theatre]] y exhibidas en los teatros Off-Off Broadway en el SoHO y en La MaMa en la ciudad de Nueva York. The Living Theatre es una [[compañía de teatro]] [[estadounidense]], creada en 1947 en [[Nueva York]]. Es el grupo de [[teatro experimental]] más antiguo que existe en Estados Unidos.<ref>BECK, J., El Living Theatre, Madrid, Fundamentos, 1974, Pag.255</ref> A lo largo de su historia fue liderado por sus fundadores, la actriz [[Judith Malina]], que había estudiado teatro con [[Erwin Piscator]] con quien aprende las teorías de [[Bertolt Brecht|Brecht]] y de [[Meyerhold]], y el pintor y poeta [[Julian Beck]]; luego de la muerte de Beck en 1985, el miembro de la compañía Hanon Reznikov se convirtió en codirector junto con Malina. Como es uno de los grupos de teatro aleatorio o teatro vivo más antiguos en la actualidad, sirve de modelo al resto. Concebían el teatro casi como una forma de vida y los actores vivían en comunidad bajo principios [[libertario]]s. Fue una [[compañía teatral]] dedicada a la transformación de la organización del poder dentro de una sociedad autoritaria y de estructura [[jerarquía|jerárquica]] hacia una comunidad [[cooperación|cooperativa]] de expresión. The Living Theatre estuvo de gira principalmente en Europa entre 1963 y 1968, y en Estados Unidos en 1968. Una obra de esta época, ''Paradise Now'' se caracterizó por la participación del público y una escena en la que los actores recitaban una lista de tabúes sociales que incluían la desnudez, mientras se desnudaban.<ref>BECK, J., El Living Theatre, Madrid, Fundamentos, 1974, Pag.102</ref>

[[Archivo:Fluxus manifesto.jpg|izquierda|miniatura|Manifiesto de Fluxus.]]
==== Fluxus ====
{{AP|Fluxus}}
Fluxus, palabra latina que significa ''flujo'', es un movimiento artístico de las artes visuales en especial, relacionado con música, la literatura y la danza. Tuvo su momento más activo entre la década de los 60 y los 70 del {{siglo|XX||s}}. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como [[mercancía]] y se proclamó a sí mismo como un movimiento artístico sociológico. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por [[George Maciunas]] (1931-1978). Este movimiento artístico tuvo expresiones en [[Estados Unidos]], [[Europa]] y [[Japón]].<ref>Simposio ''Happening, Fluxus y otros comportamientos artísticos de la segunda mitad del {{Siglo|XX||s}}''. Cáceres, 1999, Editorial Regional de Extremadura, ISBN 84-7671-607-9.</ref> El movimiento Fluxus, más desarrollado en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de [[John Cage]], no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico; es decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte, entendido como “arte total“.<ref>''Fluxus at 50''. Stefan Fricke, Alexander Klar, Sarah Maske, Kerber Verlag, 2012, ISBN 978-3-86678-700-1.</ref> Al igual que [[Dadá]], Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de categorización. Según [[Robert Filliou]], es "antes que todo un estado del espíritu, un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar, de expresar y de elegir. De cierta manera Fluxus nunca existió, no sabemos cuándo nació, luego no hay razón para que termine". Asimismo Filliou opone el Fluxus al [[arte conceptual]] por su referencia directa, inmediata y urgente a la realidad cotidiana, e invierte la propuesta de [[Duchamp]], quien a partir del [[Ready-made]], introdujo lo cotidiano en el arte. Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano, muchas veces con pequeñas acciones o performances.<ref>{{cita web|título=Fluxus|url=https://masdearte.com/movimientos/fluxus/|editorial=Masdearte.com|fechaacceso=8 de junio de 2020}}</ref>

[[John Cage]] fue un [[Poesía|poeta]], [[Arte|artista]] y [[Música|músico]] estadounidense. Pionero de la [[música aleatoria]], de la [[música electrónica]] y del [[técnicas extendidas|uso no estándar de instrumentos musicales]], Cage fue una de las figuras principales del [[avant garde]] de posguerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores y artistas estadounidenses más influyentes del {{siglo|XX||s}}.<ref>{{cita libro|título=Into the Light of Things: The Art of the Commonplace from Wordsworth to John Cage |apellidos=Leonard |nombre=George J. |año=1995 |editorial=[[University of Chicago Press]] |isbn=9780226472539 |página=120}}</ref><ref>{{cita libro|título=Greene's Biographical Encyclopedia of Composers |apellidos=Greene |nombre=David Mason |año=2007 |editorial=Reproducing Piano Roll Fnd. |isbn=9780385142786 |página=1407)}}</ref> Fue decisivo en el desarrollo del performance dentro del movimiento [[fluxus]] y de la [[Danza contemporánea|danza moderna]], principalmente a través de su asociación con el coreógrafo [[Merce Cunningham]], quien fue su compañero sentimental la mayor parte de su vida.<ref>{{cita publicación|apellido=Valle Collado|nombre=Ana María|título=John Cage, el recopilador de sonidos|publicación=Síneris. Revista de musicología|fecha = abril de 2012|número=1|url=http://www.sineris.es/raraavis_VI.html|fechaacceso=8 de junio de 2020}}</ref>

==== Arte Procesual ====
{{AP|Arte procesual}}
A mediados de los años 60 surge y se denomina como arte procesual (en inglés, ''Process art'') a un [[movimiento artístico]], dentro del campo de estudio de la ''performance'', donde el objeto de arte no es el centro de atención principal. El «proceso» en el arte procesual se refiere al proceso de la formación de arte: la búsqueda, clasificación, recopilación, asociación y creación, así como otros conceptos adherentes a la obra, como la efimeridad de la pieza en sí, las críticas o polémicas de la misma, entendidas como parte de la propia creación. El arte procesual está preocupado con el «hacer» real; el arte como ''performance.'' El arte procesual a menudo acarrea una motivación inherente, racional e [[Intencionalidad|intencional]]. Por lo tanto, el arte se ve como un viaje creativo o proceso, más que como el producto acabado.<ref>{{cita web|apellidos1=Gottlieb|nombre1=Baruch|título=Los signos vitales del arte procesual|url=http://www.laboralcentrodearte.org/es/recursos/articulos/es-arte-procesual-el-nuevo-cine|editorial=Laboral Centro de Arte|fecha=2010|fechaacceso=27 de mayo de 2020}}</ref><ref>{{cita web|título=Process Art|url=https://www.tate.org.uk/art/art-terms/p/process-art|editorial=Tate Modern|fechaacceso=10 de junio de 2020}}</ref><ref>{{cita web|título=Process Art|url=https://www.guggenheim.org/artwork/movement/process-art|editorial=Guggenheim|fechaacceso=10 de junio de 2020}}</ref>

==== Happening ====
{{AP|Happening}}
Un ''happening'' permite al artista experimentar con el movimiento del cuerpo, sonidos grabados, textos escritos y hablados, e incluso olores.[[Allan Kaprow]]<ref>{{cita noticia|apellidos1=Combalia|nombre1=Victor|título=Allan Kaprow, el creador del 'happening'|url=https://elpais.com/diario/2006/04/12/agenda/1144792807_850215.html|fechaacceso=26 de mayo de 2020|obra=El País|fecha=12 de abril de 2009}}</ref> había acuñado el término ''happening'' para describir una nueva forma de arte, a principios de la década de 1960. Una de las primeras obras de Kaprow fue H''appenings in the New York Scene'', escrita en 1961.<ref>Montfort, Nick, and Noah Wardrip-Fruin. The New Media Reader. Cambridge, Massachusetts u.a.: MIT, 2003. Print.</ref> En particular, en los ''happenings'' of Allan Kaprow el público se convierte en intérprete. Aunque el público de ''happenings'' ha sido bienvenido como intérprete, solo a veces y a menudo sin darse cuenta se convierten en parte activa de una actuación. Otros artistas que crearon ''happenings'' son [[Jim Dine]], [[Claes Oldenburg]], ''Robert Whitman'' y [[Wolf Vostell]]: ''Theater is in the Street'' (París en 1958).<ref>[[#Pavis|Patrice Pavis]], "Diccionario del teatro", p. 232</ref><ref>{{cita web|apellidos1=Profesorado|título=El arte de la acción: happening, performance y fluxus|url=https://previa.uclm.es/profesorado/irodrigo/Esquema%20arte%20acci%C3%B3n..pdf|editorial=Universidad de Castilla La mancha|fechaacceso=26 de mayo de 2020|fechaarchivo=8 de marzo de 2021|urlarchivo=https://web.archive.org/web/20210308041814/https://previa.uclm.es/profesorado/irodrigo/Esquema%20arte%20acci%C3%B3n..pdf|deadurl=yes}}</ref>

==== Nombres propios ====
[[Archivo:Warhol and Beuys by Jodice.tif|izquierda|miniatura|Retrato a [[Joseph Beuys]] y [[Andy Warhol]] en [[Nápoles]]]]
Las obras de los artistas de ''performance'' después de 1968 mostraron a menudo influencias de la situación cultural y política acontecida aquel año. [[Barbara Smith|Barbara T. Smith]] con ''Ritual Meal'' (1969) estuvo a la vanguardia del arte corporal y escénico feminista de los años setenta, que incluía, entre otros, a [[Carolee Schneemann]] y [[Joan Jonas]]. Estos, junto con [[Yoko Ono]], [[Joseph Beuys]], [[Nam June Paik]], [[David Bowie]], [[Wolf Vostell]], [[Allan Kaprow]], [[Peter Gabriel]], [[Vito Acconci]], [[Chris Burden]] y [[Dennis Oppenheim]] fueron los pioneros de la relación entre el arte corporal y la ''performance'', al igual que el colectivo [[Zaj]] en España con [[Esther Ferrer]] o [[Juan Hidalgo]].

[[Barbara Smith]] es una [[artista]] y [[activista]] [[estadounidense]]. Es una de las mayores exponentes afroamericanas del [[feminismo]] y del activismo [[LGBT]] en [[Estados Unidos]]. A comienzos de los años setenta se desempeñaba como maestra, escritora y defensora de la corriente del [[feminismo negro]].<ref>Smith interview by Loretta Ross, [https://www.smith.edu/libraries/libs/ssc/vof/transcripts/Smith.pdf Voices of Feminism Oral History Project], pp. 5-6.</ref> Ha enseñado en numerosos colegios y universidades por los últimos cinco años. Los ensayos y artículos de Smith han aparecido en gran cantidad de publicaciones de prestigio, incluyendo [[The New York Times]], [[The Guardian]], [[The Village Voice]] o [[The Nation (Estados Unidos)|The Nation]].<ref name="Ross interview">Smith, Barbara, interview by Loretta Ross, transcript of video recording, May 7, 2003, [https://www.smith.edu/libraries/libs/ssc/vof/transcripts/Smith.pdf Voices of Feminism Oral History Project], Sophia Smith Collection, p. 2.</ref><ref>Smith interview by Loretta Ross, [https://www.smith.edu/libraries/libs/ssc/vof/transcripts/Smith.pdf Voices of Feminism Oral History Project], pp. 3-4.</ref><ref>Smith, Barbara. ''Home Girls: A Black Feminist Anthology'', Kitchen Table: Women of Color Press, 1983, ISBN 0-913175-02-1, p. xx, Introduction</ref>

[[Carolee Schneemann]]<ref>{{Cite web|url=http://www.caroleeschneemann.com/interiorscroll.html|website=www.caroleeschneemann.com|access-date=5 de septiembre de 2019|título=Interior Scroll 1975}}</ref> fue una [[Artes Visuales Clásicas|artista visual]] estadounidense. La obra de Schneemann es conocida por sus discursos sobre el cuerpo, la sexualidad y de género. Con piezas como ''Meat Joy'' (1964) e ''Interior Scroll'' (1975).[[Archivo:1972, Umberto Mariani, Joseph Beuys, Jean Pierre Van Tieghem, Documenta 5, Kassel.jpg|miniatura|Joseph Beuys en un evento en [[Documenta]] en [[Kassel]]]]<ref name="performa07">{{cita web |url = http://www.timeout.com/newyork/article/23687/carolee-schneemann-remains-to-be-seen-new-and-restored-films-and-videos-with-video |obra = [[Time Out New York]] |título = Carolee Schneemann: “Remains to Be Seen: New and Restored Films and Videos” |fecha = 25 de octubre de 2007 |fechaacceso = 10 de junio de 2020 |idioma = inglés |urlarchivo = https://archive.today/20130105010205/http://www.timeout.com/newyork/article/23687/carolee-schneemann-remains-to-be-seen-new-and-restored-films-and-videos-with-video |fechaarchivo = 5 de enero de 2013 }}</ref> Schneemann consideró su cuerpo una de las superficies de trabajo.<ref name="stiles-3">{{cita libro |título =Imaging Her Erotics: Essays, Interviews, Projects |apellidos = Stiles|nombre = Kristine|año = 2003 |editorial = [[MIT Press]] |ubicación = [[Cambridge, Massachusetts]] |isbn=026269297X |capítulo=The Painter as an Instrument of Real Time |página = 3 |idioma=inglés}}</ref> Ella se describió como "un pintor que ha dejado el lienzo para activar el espacio real y el tiempo vivido".<ref>[https://gregcookland.com/journal/2007_10_28_archive.html Carolee Schneemann Speaks], ''New England Journal of Aesthetic Research''. Posted 11 de octubre de 2007.(inglés)</ref>

[[Joan Jonas]]<ref name="Ambrose_1">{{cita web |url=http://people.wcsu.edu/mccarneyh/fva/J/JJonas_bio.html |título=Joan Jonas Biography |fechaacceso=6 de junio de 2020 |website=people.wcsu.edu |nombre=Dawn |apellido=Ambrose |año=2001}}</ref> es una [[artista visual]] estadounidense y pionera en el arte de performance y [[Videoarte|vídeo]]. Emergió a finales de los años sesenta y principios de los setenta.<ref name="MIT">[https://act.mit.edu/people/professors/joan-jonas/ Faculty: Joan Jonas] ACT at MIT - MIT Program in Art, Culture and Technology.</ref> Los proyectos de Jonas y sus experimentos proporcionaron la base sobre la que se basaría gran parte del arte de performance en vídeo. Influyó en el [[arte conceptual]], el [[teatro]], las performances y otros medios visuales. Vive y trabaja en Nueva York y en [[Nueva Escocia]], [[Canadá]].<ref>[https://joanjonasvenice2015.com/artist-joan-jonas/ "Artist Joan Jonas"], Bienal de Venecia, consultado el 6 de junio de 2020.</ref><ref name="EAI">[http://www.eai.org/artistBio.htm?id=408 "Joan Jonas: Biography"] {{Wayback|url=http://www.eai.org/artistBio.htm?id=408 |date=20110121122518 }}, Electronic Arts Intermix, Consultado el 6 de junio de 2020.</ref> Inmersa en la escena artística neoyorquina de los años sesenta, Jonas estudió con la coreógrafa [[Trisha Brown]] durante dos años.<ref name="GuggenheimBio">{{cita web |url=http://www.guggenheim.org/new-york/collections/collection-online/artists/bios/9903 |título=Collection Online - Joan Jonas |editorial=[[Solomon R. Guggenheim Museum]] |fechaacceso=8 de junio de 2014 |urlarchivo=https://web.archive.org/web/20140416181309/http://www.guggenheim.org/new-york/collections/collection-online/artists/bios/9903 |fechaarchivo=16 de abril de 2014 }}</ref><ref name="Joan Jonas">{{cita web|título=Joan Jonas|url=http://www.pbs.org/art21/artists/joan-jonas|website=pbs.org}}</ref>

[[Yoko Ono]] formó parte del movimiento [[vanguardia|vanguardista]] de la década de los 60. Era integrante del movimiento [[Fluxus]].<ref>{{Cita web|url=http://www.milartgranada.com/yoko-ono-la-artista-desconocida-mas-famosa-del-mundo/|título=YOKO ONO: ” LA ARTISTA DESCONOCIDA MÁS FAMOSA DEL MUNDO”.|fechaacceso=21 de mayo de 2020|fechaarchivo=22 de junio de 2020|urlarchivo=https://web.archive.org/web/20200622133711/http://www.milartgranada.com/yoko-ono-la-artista-desconocida-mas-famosa-del-mundo/|deadurl=yes}}</ref> Es conocida por sus performances a finales de los años 1960, obras como ''Cut Piece'' donde el público podía intervenir directamente su cuerpo hasta dejarla desnuda.<ref>{{cita noticia|título=Yoko Ono, Cut Piece y la performance feminista|url=https://revistamirall.com/2017/07/12/yoko-ono-cut-piece-y-la-performance-feminista/|fechaacceso=21 de mayo de 2020|obra=Mirall|fecha=12 de julio de 2017}}</ref> Otra de sus piezas más conocidas es su ''Wall piece for orchestra'' (1962).<ref>{{cita web |url= https://www.revistavanityfair.es/sociedad/celebrities/articulos/john-lennon-yoko-ono-boda-gibraltar-bed-peace-hair-peace/23747 |publicación= Vanity Fair|título= John Lennon, Yoko Ono y Gibraltar|autor=Ana López-Varela |fecha= septiembre de 2017|fechaacceso= 26 de mayo de 2020}}</ref><ref>{{cita web |url= https://www.lanacion.com.ar/lifestyle/la-yoko-que-no-vemos-nid195543 |publicación= La Nación|título= La Yoko que no vemos|autor=|fecha= octubre de 1998|fechaacceso= 26 de mayo de 2020}}</ref>

[[Joseph Beuys]] fue un artista alemán que trabajó con varios medios y técnicas como escultura, performance, [[happening]], vídeo e [[Instalación artística|instalación]] y perteneció al grupo [[fluxus]]. En 1962 comenzó sus actividades con el movimiento [[Neodadaísmo|neodadá]] [[Fluxus]], del que llegó a ser el miembro más significativo. Su mayor logro fue la socialización que consiguió hacer del arte, acercándolo a todos los tipos de público.<ref>{{cite web|url=https://www.walkerart.org|title=Walker Art Center – Contemporary Art Museum – Minneapolis|website=www.walkerart.org}}</ref> En ''Cómo explicar los cuadros a una liebre muerta'' 1965 se puso miel y pan de oro en la cabeza y le hablaba sobre su obra a una liebre muerta que tenía entre sus brazos. En esta obra vincula factores espaciales y escultóricos, lingüísticos y sonoros a la figura del artista, a su gestualidad corporal, a su conciencia de comunicador que tenía como receptor a un animal.<ref>{{cite book|last=Tisdall|first=Caroline|title=Joseph Beuys|year=2010|publisher=Thames & Hudson|page=37}}</ref> Beuys asumía el papel de [[chamán]] con potestad curativa y salvadora de la sociedad que él consideraba muerta.<ref>Andre Chahil: [http://andrechahil.com/wien-1985-phaenomen-fax-art-beuys-warhol-und-higashiyama-setzen-dem-kalten-krieg-ein-zeichen ''Wien 1985: Phänomen Fax-Art. Beuys, Warhol und Higashiyama setzen dem Kalten Krieg ein Zeichen.''] (en alemán)</ref> En 1974 llevó a cabo la acción ''[[Me gusta América y a América le gusto yo]]'' donde Beuys, un coyote y materiales como papel, fieltro y paja, constituyeron el vehículo de su creación. Convivió tres días con el [[coyote]]. Apilaba periódicos estadounidenses, símbolo del capitalismo de ese país.<ref name="henry-moore.org">{{cite web|url=http://www.henry-moore.org/hmi-journal/homepage/view-occasional-papers/beuysto-be-a-teacher-is-my-greatest-work-of-art/page-1|title=Henry Moore Institute|publisher=|accessdate=10 de junio de 2020|fechaarchivo=22 de marzo de 2016|urlarchivo=https://web.archive.org/web/20160322142430/http://www.henry-moore.org/hmi-journal/homepage/view-occasional-papers/beuysto-be-a-teacher-is-my-greatest-work-of-art/page-1|deadurl=yes}}</ref> Poco a poco el coyote y Beuys se van acostumbrando uno a otro y al final Beuys abraza al coyote. Beuys repite muchos objetos utilizados en otras obras.<ref>{{Cita vídeo | people=Halpern, John (Director) | date=15 de abril de 1988 | title=[Joseph Beuys / TRANSFORMER] | medium=Television sculpture | location=New York City | publisher=I.T.A.P. Pictures | url=http://www.beuysfilm.com/}}</ref> Objetos que difieren de los [[ready-made]] de [[Marcel Duchamp]], no por su naturaleza pobre y efímera, sino por ser parte de la vida del propio Beuys que los “ha puesto ahí” tras convivir con ellos y haberles dejado su huella. Muchos tienen una relación autobiográfica, como la miel o la grasa utilizada por los tártaros que le salvaron durante la Segunda Guerra Mundial. En 1970 realizó asimismo su ''Traje de fieltro''. En 1970, Joseph Beuys fue profesor de escultura en la Kunstakademie Düsseldorf.<ref>{{cite book |last=Hopper |first=Kenneth |last2=Hopper |first2=William |title=The Puritan gift: triumph, collapse, and the revival of an American dream |url=https://archive.org/details/puritangiftrecla00hopp |publisher=I.B.Tauris |year=2007 |isbn=978-1-85043-419-1 |page=[https://archive.org/details/puritangiftrecla00hopp/page/n350 334]}}</ref> En 1979, el [[Solomon R. Guggenheim Museum|Museo Guggenheim]] de [[Nueva York]] exhibió una retrospectiva de su obra desde los años 1940 hasta 1970.<ref>{{cite book |last=Hughes |first=Robert |title=The Shock of the New |edition=revised |publisher=Alfred A. Knopf |location=New York |isbn=0-679-72876-7 |year=1991 |page=[https://archive.org/details/shockofnew0000hugh/page/444 444] |url=https://archive.org/details/shockofnew0000hugh/page/444 }}</ref><ref>{{Cite web|url=https://www.eliasmariareti.de/Biografie|title=Elias Maria Reti - Künstler - Biografie|website=www.eliasmariareti.de|language=de|archive-url=https://web.archive.org/web/20181218193410/http://www.eliasmariareti.de/Biografie|archive-date=18 de diciembre de 2018|fechaacceso=10 de junio de 2020}}</ref><ref>{{cite book|last=Ulmer|first=Gregory|title=Applied Grammatology: Post(e)-Pedagogy from Jacques Derrida to Joseph Beuys|url=https://archive.org/details/appliedgrammatol00ulme|year=1985|publisher=Johns Hopkins University Press|page=[https://archive.org/details/appliedgrammatol00ulme/page/n121 230]}}</ref>

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Archivo:Barbara Smith at NWSA 2017.jpg|Retrato a [[Barbara Smith]]
Archivo:2012 Yoko Ono (8170166921).jpg|Conferencia de [[Yoko Ono]] en la Bienal de Viena, 2012
Archivo:Yoko Ono at John Lennon Plaque Unveiling (5107729471).jpg|Retrato de [[Yoko Ono]]
Archivo:CaroleeSchneemann2008.jpg|Pieza de video del Brooklyn Museum con entrevista a [[Carolee Schneemann]]
Archivo:Joan Jonas Vertical Roll.jpg|[[Joan Jonas]] durante una performance documentada en video e instalada, 1972
Archivo:Joan Jonas (4518929754).jpg|Retrato a la artista [[Joan Jonas]]
Archivo:BeuysAchberg78.jpg|Retrato a [[Joseph Beuys]] en una conferencia-performance, 1978
Archivo:Joseph Beuys Filtz TV by Lothar Wolleh.jpg|[[Joseph Beuys]] en una pieza de videoarte
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[[Nam June Paik]] fue un artista de performance, compositor y [[videoartista]] surcoreano de la segunda mitad del {{siglo|XX||s}}. Estudió música e historia del arte en la universidad de [[Tokio]]. Más tarde, en 1956, viajó a [[Alemania]], donde estudió teoría de la música en [[Múnich]], continuando en Colonia y en el conservatorio de Freiburgo. Conoció en un seminario en los Cursos de Verano de Música Nueva de Darmstaat a [[John Cage]], quien influenció profundamente su trabajo.<ref>{{cita web |url= https://www.guggenheim-bilbao.eus/exposiciones/los-mundos-de-nam-june-paik |publicación= Museo Guggenheim|título=Los mundos de Nam June Paik|autor=|fecha=30 de septiembre de 2002|fechaacceso= 5 de junio de 2020}}</ref> Participó en numerosos grupos [[Happening]] y [[Fluxus]]. Fue compañeros de [[Yōko Ono]], miembro del movimiento [[Fluxus]].<ref>{{cita web |url= https://www.imdb.com/name/nm0656760/bio|publicación=IMDB|título=Biografía de Nam June Paik|autor= Steve Shelokhonov
|fecha=|fechaacceso= 5 de junio de 2020}}</ref>

[[Wolf Vostell]] fue un artista alemán de los más representativos de la segunda mitad del {{siglo|XX||s}}, que trabajó con varios medios y técnicas como la [[pintura]], la [[escultura]], la [[Instalación artística|instalación]], el [[décollage]], el [[videoarte]], el [[happening]] y el [[fluxus]].<ref>{{cite web|url=http://www.medienkunstnetz.de/works/you/|title=Media Art Net - Vostell, Wolf: YOU|first=Media Art|last=Net|date=12 de abril de 2018|website=www.medienkunstnetz.de}}</ref>

[[Vito Acconci]]<ref name="artnews">{{cite news|last1=Russeth|first1=Andrew|title=Vito Acconci, Whose Poetic, Menacing Work Forms Bedrock of Performance, Video Art, Dies at 77|url=https://www.artnews.com/2017/04/28/vito-acconci-dies-at-77/|accessdate = 28 de abril de 2017|work = ARTnews|agency=Art Media|publisher=Sarah Douglas|date=28 de abril de 2017}}</ref><ref name="nytimes">{{cite web |url=https://www.nytimes.com/2017/04/28/arts/design/vito-acconci-dead-performance-artist.html|título=Vito Acconci, artista de performance y arquitecto poco común, muere a los 77|first = Randy | last = Kennedy | date = 28 de abril de 2017 | work = [[The New York Times]] | accessdate =30 de abril de 2017 |archive-url=https://archive.today/20170430074005/https://www.nytimes.com/2017/04/28/arts/design/vito-acconci-dead-performance-artist.html? _r = 0|archive-date=30 de abril de 2017}}</ref> fue un influyente artista de [[performance art|performance]], video e instalación, cuya práctica híbrida finalmente incluyó escultura, diseño arquitectónico y paisaismo. Su desempeño fundamental en el campo del videoarte<ref name="newyorker">{{cite web | url = https://www.newyorker.com/culture/culture-desk/postscript-vito-acconci-1940-2017 | title = Postscript : Vito Acconci, 1940–2017 | first = Andrea K. | last = Scott | date = 28 de abril de 2017 | work = [[The New Yorker]] | accessdate = 20 de marzo de 2018}}</ref> se caracterizó por su "inquietud existencial", el exhibicionismo, la incomodidad, la transgresión y la provocación,<ref name="nytimes" /> a menudo involucraban cruzar fronteras tales como el mundo público-privado, lo consensual-no consensual y el mundo real-artístico.<ref name="atlantic">{{cite web | url = https://www.theatlantic.com/entertainment/archive/2017/05/vito-acconcis-sensational-performance-art-and-the-shifting-standards-of-pc-in-museos/524919/|title=Vito Acconci y la vida útil del arte sensacional|first = Kriston|last=Capps|date=3 de mayo de 2017|work=[[The Atlantic]]|accessdate=20 de marzo de 2018}}</ref><ref name="guggenheim">{{cite web|url=https://www.guggenheim.org/artwork/artist/vito-acconci|title = Vito Acconci, Colección Guggenheim Online | work = [[Museo Solomon R. Guggenheim]] | accessdate = 20 de marzo de 2018}}</ref> Se considera que su trabajo ha influido en artistas como [[Laurie Anderson]], [[Bruce Nauman]] y [[Tracey Emin]], entre otros.<ref name="atlantic" /> Acconci se interesó inicialmente en la poesía radical, pero a fines de la década de 1960, comenzó a crear performances influyentes [[situacionistas]] en la calle o para pequeñas audiencias que exploraban el cuerpo y el espacio público. Dos de sus piezas más famosas fueron "La siguiente pieza" (1969), en la que seleccionó a transeúntes aleatorios en las calles de la ciudad de Nueva York y los siguió durante todo el tiempo que pudo, y "El Semillero"''(1972),'' en la que se masturbaba mientras los visitantes, en una planta contigua de la ''Galería Sonnabend'', se acercaban y escuchaban los sonidos emitidos. ''<ref name="meet">{{cite web | url = https://www.metmuseum.org/art/collection/search/266876 | title = '' Seedbed '', Vito Acconci, The Met Collection Online | work = [[Metropolitan Museum of New York]] | accessdate = 20 de marzo de 2018}}</ref>''

[[Chris Burden]] era un artista estadounidense que trabajaba con la performance, la [[escultura]] y la [[Instalación (arte)|Instalación]]. Burden se hizo conocido en la década de 1970 por sus obras de arte de performance, incluido "Shoot" (1971), donde creó una pieza en el que un voluntario le disparara en el brazo con un rifle de pequeño calibre. Como artista prolífico, Burden creó muchas instalaciones conocidas, obras de arte públicas y esculturas antes de su muerte en 2015.<ref name = "Margalit Fox 2015">{{cite news|nombre=Margalit|apellido=Fox|fecha=11 de mayo de 2015|url=https://www.nytimes.com/2015/05/12/arts/chris-load-a-conceptualist-with-scars-dies-at-69.html|título=Chris Burden, un conceptualista con cicatrices, muere a los 69.|obra=''[[The New York Times]]''}}</ref><ref name="newyorker.com">{{cita noticia|nombre=Peter|apellido=Schjeldahl|fecha=14 de mayo de 2007|url=https://www.newyorker.com/arts/critics/artworld/2007/05/14/070514craw_artworld_schjeldahl|título=Actuación: Chris Burden y los límites del arte|obra=''[[The New Yorker]]''}}</ref><ref name="nytimes.com">{{cita noticia|nombre=Roberta|apellido= Smith|fecha=3 de octubre de 2013|url=https://www.nytimes.com/2013/10/04/arts/design/chris-burden-extreme-measures-at-the-new-museum.html|título=Las cosas de construir y destruir: 'Chris Burden: Extreme Measures' en el New Museum|obra=The New York Times}}</ref> Burden comenzó a trabajar en performance a principios de la década de 1970. Hizo una serie de obras controvertidas en las que la idea del peligro personal como expresión artística era central. Su primer trabajo significativo, "Five Day Locker Piece" (1971), fue creado para su tesis de maestría en la Universidad de California,<ref name = "Margalit Fox 2015"/> e implicó su encierro en una taquilla por cinco días.<ref>{{cite news|last=Bijos|first=Tadeu|title=Última posición de Chris Burden|fecha=12 de junio de 2015|url=https://www.counterpunch.org/2015/06/12/chris-burdens-last-stand/|work=Counter Punch|accessdate=10 de junio de 2020}}</ref>

[[Dennis Oppenheim]] fue un [[arte conceptual|artista]] [[Estados Unidos|estadounidense]] especializado en [[performance art]],<ref>{{cita web|título=Dennis Oppenheim. Taller de investigación sobre fondos del MNCARS|url=https://www.museoreinasofia.es/exposiciones/dennis-oppenheim-taller-investigacion-sobre-fondos-mncars|editorial=Museo Reina Sofía|fecha=19 de abril de 2005|fechaacceso=10 de junio de 2020}}</ref> [[land art]], escultura y fotógrafia. La práctica artística temprana de Dennis Oppenheim es un cuestionamiento epistemológico sobre la naturaleza del arte, la creación del arte y la definición del arte: un meta-arte que surgió cuando las estrategias de los minimalistas se expandieron con el fin de enfocarse en el espacio y el contexto. Además de una agenda estética, su obra progresó desde las percepciones de las propiedades físicas del espacio galerístico hasta el contexto social y político, en gran parte en forma de escultura pública permanente en las últimas dos décadas dentro una carrera altamente prolífica, cuya diversidad exasperaba a sus críticos.<ref>{{cita noticia|apellidos1=Hontoria|nombre1=Javier|título=Dennis Oppenheim, la ciencia de la tierra y el cuerpo|url=https://elcultural.com/Dennis-Oppenheim-la-ciencia-de-la-tierra-y-el-cuerpo|fechaacceso=10 de junio de 2020|obra=El Cultural|fecha=24 de enero de 2011}}</ref>
[[Archivo:Museum Reina Sofia (4251339261).jpg|izquierda|miniatura|Instalación performativa del colectivo [[Zaj]] en el [[Museo Reina Sofía]], Madrid, 1996]][[Yayoi Kusama]] es una artista [[Japón|japonesa]]. A lo largo de su carrera, ha trabajado con una gran variedad de medios incluyendo: pintura, collage, escultura, arte performance e instalaciones; la mayoría de los cuales exhiben su interés temático en la [[psicodelia]], la repetición y los patrones. Kusama es una precursora de los movimientos del [[arte pop]], el [[minimalismo]] y [[Arte feminista|el arte feminista]] e influenció a sus contemporáneos, [[Andy Warhol]] y [[Claes Oldenburg]].<ref>Kate Deimling (May 16, 20, [http://www.blouinartinfo.com/news/story/804726/yayoi-kusama-writes-of-hunger-grudges-and-necking-with-joseph-cornell-in-her-odd-autobiography Kusama Writes of Hunger, Grudges, and Necking With Joseph Cornell in Her Odd Autobiography] {{Wayback|url=http://www.blouinartinfo.com/news/story/804726/yayoi-kusama-writes-of-hunger-grudges-and-necking-with-joseph-cornell-in-her-odd-autobiography |date=20131106035904 }}, BLOUINARTINFO France.</ref> Kusama es reconocida actualmente como una de las artistas más importantes que haya salido de Japón y una voz muy importante del arte de vanguardia.<ref>{{Cita noticia|apellidos=Russeth|nombre=Andrew|título=Carolee Schneemann, Protean Artist Who Helped Define Contemporary Avant-Garde, Has Died at 79|url=https://www.artnews.com/2019/03/06/carolee-schneemann-died-feminist-art/|fecha=6 de marzo de 2019|fechaacceso=6 de junio de 2020|periódico=ArtNews|ubicación=New York (Estados Unidos)|página=|número=|idioma=inglés}}</ref>

[[Zaj]] fue un colectivo de performance de vanguardia español, creado en 1964 por [[Juan Hidalgo (vanguardia)|Juan Hidalgo]] y [[Ramón Barce]], y por el italiano ''Walter Marchetti''. Su gestación, en Milán, entre 1959 y 1963, tuvo una importante influencia del neodadaísmo y del zen, así como del pensamiento del compositor estadounidense [[John Cage]], a quien Juan Hidalgo y Walter Marchetti conocieron en [[Darmstadt]] en 1958. También se ha vinculado la actividad de zaj a la del grupo internacional [[Fluxus]], existiendo evidentes paralelismos y similitudes. En 1967 se incorporó al grupo la ''performer'' [[Esther Ferrer]]. Entre 1967 y 1972 el grupo se redujo; este último año participó en los Encuentros de Pamplona, tras los cuales decidieron realizar sus actividades fuera de España, debido a las presiones e incomodidades del régimen franquista. Desde ese año, zaj fue de nuevo un grupo circunscrito a tres personas: Juan Hidalgo, Walter Marchetti, y Esther Ferrer. El grupo prolongó su existencia y sus actividades hasta 1996, año en que el Museo Reina Sofía realizó una exposición retrospectiva de su producción.<ref>{{cita web|título=Zaj|url=https://www.museoreinasofia.es/publicaciones/zaj-grupo-artistico|editorial=Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía|fechaacceso=16 de mayo de 2020}}</ref>

[[Esther Ferrer]] es una [[arte|artista]] interdisciplinar [[España|española]] centrada en la ''performance'' y considerada una de las mejores artistas españolas de su generación.<ref>{{Cita noticia|apellidos=García|nombre=Ángeles|título=Esther Ferrer da otra vuelta al tiempo y al infinito|url=https://elpais.com/cultura/2017/10/26/actualidad/1509036988_342610.html|fecha=26 de octubre de 2017|fechaacceso=5 de junio de 2020|periódico=El País|issn=1134-6582}}</ref> En 2008 recibió el [[Premio Nacional de Artes Plásticas de España]] y en 2014, el [[Premio Velázquez de Artes Plásticas]] que otorga el [[Ministerio de Educación, Cultura y Deporte|Ministerio de Cultura]].<ref>{{Cita noticia|apellidos=Diego|nombre=Estrella de|título=El arte en los márgenes de Esther Ferrer|url=https://elpais.com/cultura/2014/11/12/actualidad/1415816214_922840.html|fecha=13 de noviembre de 2014|fechaacceso=28 de mayo de 2018|periódico=El País|issn=1134-6582}}</ref>

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Archivo:Korea-Nam June Paik-One hundread-and-eight Tourments.jpg|Video-instalación-performance de [[Nam June Paik]] en 2008
Archivo:"Perpetual Mobile I" within "Fish Flies On Sky".jpg|Video-instalación-performance de [[Nam June Paik]] en [[Düsseldorf]]
Archivo:Wolf Vostell, 1980 in Spain.jpg|Retrato de [[Wolf Vostell]] realizado durante una performance en Cáceres, 1980
Archivo:Allan Kaprow.jpg|Retrato de [[Allan Kaprow]] en 1973
Archivo:Vito1973.jpg|[[Vito Acconci]] durante una video-performance en 1973
Archivo:Vito acconci, multi bed -1, 1992.jpg|Instalación de [[Vito Acconci]] en el Centro de Arte Contemporáneo Luigi Pecci
Archivo:Dennis Oppenheim "Engagement" Vancouver Sulpture Biennale (5086405361).jpg|Instalación de [[Dennis Oppenheim]] en la Bienal de Escultura de [[Vancouver]]
Archivo:Esther Ferrer - Carta blanca - 2856 - 078.jpg|La artista vasca [[Esther Ferrer]] durante una performance en [[San Sebastián]]
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=== Años 1970 ===
[[Archivo:Entree of the Schaulager museum, Münchenstein, 2018.jpg|miniatura|Instalación de [[Bruce Nauman]] con varias video-performances]]
[[Archivo:Gilbert & George 2007 crop.jpg|miniatura|[[Gilbert and George]] retratados en [[Londres]] en 2007]]

En los años setenta, los artistas que habían derivado hacia obras relacionadas con la performance, evolucionan y se consolidan artistas con la performance como disciplina principal. Derivando hacia instalaciones creadas a través de la performance, video-performance o acciones en colectivo o dentro de un contexto socio, histórico y político.
==== Video-Performance ====
A principios de los setenta se consolidó el uso del formato video dentro de artistas de performance. Por lo que podías encontrar exposiciones de [[Joan Jonas]] o [[Vito Acconci]] construidas únicamente desde el video, detonadas por procesos performativos previos. En esta década se publicaron varios libros, ''Expanded Cinema'', de Gene Youngblood entre ellos, sobre el uso de los medios de comunicación y el video y el cine, más concretamente por los artistas de ''performance''. Uno de los artistas principales en el uso de video y performance, con sus conocidas instalaciones audiovisuales es el artista surcoreano [[Nam June Paik]], quien a principios de los años sesenta ya había sido un intérprete de fluxus hasta convertirse en un artista mediático y evolucionar a las grandes instalaciones compuestas por audiovisual por las que es reconocido. A tener en cuenta también la obra de [[Carolee Schneemann]] y ''Robert Whitman'' de los años sesenta, en cuanto a su relación con el video-performance. Ambos pioneros en el arte de la ''performance'', convirtiéndose en una forma de arte independiente a principios de los años setenta.<ref>{{cite book|last1=Youngblood|first1=Gene|title=Expanded Cinema|url=https://archive.org/details/expandedcinema00youn|publisher=A. Dutton|year=1970|location=New York, New York}}</ref>

La pareja británica [[Gilbert and George]], ya en 1970, había documentado sus acciones en vídeo, y creó su actuación de escultura viva, pintada en oro y cantando ''Underneath The Arches'' durante largos periodos. [[Joan Jonas]] comenzó a incluir el vídeo en sus performances experimentales en 1972, mientras que [[Bruce Nauman]] escenificó sus actuaciones directamente para la grabación de vídeo.<ref>{{cite web|url=https://www.jochengerz.eu/works/to-call-until-exhaustion|title=To Call Until Exhaustion|accessdate=24 de agosto de 2019|publisher=Jochen Gerz}}</ref>

[[Bruce Nauman]] es artista multimedia [[Estados Unidos|estadounidense]], cuyas esculturas, vídeos, obra gráfica y performances han ayudado a diversificar y extender la [[escultura|cultura]] a partir de la década de 1960. Sus inquietantes obras de arte hacen hincapié en la naturaleza conceptual del arte y del proceso de creación.<ref>{{Cita web|título = Bruce Nauman|url = https://www.epdlp.com/pintor.php?id=2689|sitioweb = |fechaacceso = 11 de junio de 2020}}</ref> Su prioridad es la idea y proceso creativo sobre el resultado final, su arte recurre a la utilización de una increíble variedad de materiales, y en especial a su propio cuerpo. Uno de los más innovadores y provocadores [[Arte contemporáneo|artistas contemporáneos]] estadounidenses.<ref>{{Cita web|título = Bruce Nauman {{!}} ArtDiscover|url = http://www.artdiscover.com/es/artistas/bruce-nauman-id2|sitioweb = www.artdiscover.com|fechaacceso = 11 de junio de 2020}}</ref><ref>{{Cita web|título = Bruce Nauman|url = https://www.epdlp.com/pintor.php?id=2689|sitioweb = www.epdlp.com|fechaacceso = 11 de junio de 2020}}</ref>

[[Gilbert and George]] (o Gilbert & George) es una pareja de artistas [[Reino Unido|británicos]] compuesta por el artista italiano ''Gilbert Proesch'' y el artista inglés ''George Passmore'', que han desarrollado su labor dentro del [[arte conceptual]], la performance y el [[body art]], siendo conocidos principalmente por ejercer de «esculturas vivientes».<ref>{{cita noticia|apellidos1=Ruíz Mantilla|nombre1=Jesús|título=Gilbert & George amantes, socios, artistas|url=https://elpais.com/diario/2011/04/10/eps/1302416817_850215.html|fechaacceso=11 de junio de 2020|obra=El País|fecha=10 de abril de 2011}}</ref><ref>{{cita web|título=Gilbert and George|url=https://www.guggenheim-bilbao.eus/la-coleccion/artistas/gilbert-and-george|editorial=Guggenheim Bilbao Museo|fechaacceso=11 de junio de 2020}}</ref> Una de sus primeras realizaciones fue ''The Singing Sculpture'' (''La escultura que canta'', 1969), en la que la pareja de artistas bailaban y cantaban ''Underneath the Arches'', un éxito musical de los años 1930. Desde entonces se han forjado una sólida reputación como esculturas vivas, convirtiéndose a sí mismos en obras de arte, expuestas durante diversos intervalos de tiempo a la contemplación del público. Por lo general suelen aparecer impecablemente vestidos con traje y corbata, adoptando diversas posturas en las que permanecen inmóviles, aunque a veces también se mueven o leen algún texto, y en ocasiones aparecen en montajes o [[Instalación artística|instalaciones]] de diversa índole.<ref>{{cita noticia|título=Gilbert & George, la vida como obra de arte|url=https://masdearte.com/gilbert-a-george-la-vida-como-obra-de-arte/|fechaacceso=11 de junio de 2020|obra=Masdearte.com|fecha=5 de febrero de 2010}}</ref> Además de su faceta «escultórica», Gilbert and George también realizan obras pictóricas, [[collage]]s y [[fotomontaje]]s, donde a menudo se representan a sí mismos, junto a diversos elementos de su entorno más inmediato, con referencias a la cultura urbana y un fuerte componente reivindicativo, donde abordan temas como el sexo, la raza, la muerte y el [[sida]], la religión o la política,<ref>{{cita noticia|apellidos1=Ramos|nombre1=Charo|título=El arte para todos de Gilbert & George|url=https://www.diariodesevilla.es/artes_plasticas/arte-Gilbert-George-Brafa_0_1328267542.html|fechaacceso=11 de junio de 2020|obra=Diario de Sevilla|fecha=16 de febrero de 2019}}</ref> criticando a menudo al gobierno británico y el poder establecido. En ese sentido, su serie más prolífica y ambiciosa ha sido ''Jack Freak Pictures'', donde tienen una presencia constante los colores rojo, blanco y azul de la bandera británica. Gilbert and George han realizado exposiciones en algunos de los mejores museos y galerías del mundo, como el ''Stedelijk van Abbemuseum'' de [[Eindhoven]] (1980), la ''Hayward Gallery'' de [[Londres]] (1987), la [[Tate Modern]] (2007), etc. Han participado diversas ocasiones en la [[Documenta]] de [[Kassel]] (n<sup>os</sup> 5, 6 y 7), y en 2005 representaron a su país en la [[Bienal de Venecia]]. en 1986 fueron ganadores del [[Premio Turner]].<ref>{{cita noticia|título=Gilbert & George: «Intentamos estar lejos del arte para no contaminarnos»|url=https://www.tendenciasdelarte.com/gilbert-george-intentamos-estar-lejos-del-arte-para-contaminarnos/|fechaacceso=11 de junio de 2020|obra=Tendencias}}</ref>

==== Performance desde el contexto político ====
A mediados de los setenta, detrás del telón de acero, en capitales de Europa del Este como [[Budapest]], [[Cracovia]], [[Belgrado]], [[Zagreb]], [[Novi Sad]] y otras ciudades, artes escénicas de contenido más experimental iban floreciendo. Contra el control político y social, surgieron diferentes artistas que realizaban performance de contenido crítico. A destacar la serie de performances de ''Orshi Drozdik'', titulada ''Individual Mythology'' 1975/77 y el ''NudeModel'' 1976/77. Todas sus acciones eran críticas del discurso patriarcal del arte y del programa de emancipación forzado y construido por el estado igualmente patriarcal.<ref>{{cita web|nombres=Orsolya|apellidos=Orshi Drozdik|título=Sensuality and Matter|url=https://budapestgaleria.hu/_/en/2018-exhibitions/orsolya-orshi-drozdik-sensuality-and-matter/|editorial=Budapest Gallery|fecha=Septiembre de 2018|fechaacceso=12 de junio de 2020}}</ref> Drozdik mostró un punto de vista pionero y feminista sobre ambos, siendo una de las precursoras de este tipo de arte crítico feminista en Europa del Este.<ref>{{cita web|título=Orshi Drozdik|url=https://www.mutualart.com/Artist/Orshi-Drozdik/A46119C2D5D34177|fecha=2016|fechaacceso=12 de junio de 2020}}</ref> En los años setenta, el arte de la ''performance'', debido a su relativa fugacidad, tenía una presencia bastante sólida en las [[Vanguardismo|vanguardias]] de los países del [[Bloque del Este|bloque oriental]], especialmente [[Polonia]] y [[Yugoslavia]], donde surgieron decenas de artistas que exploraban el cuerpo siempre de forma crítica y conceptual.

[[Archivo:Tehching Hsieh Cage Piece (1).jpg|izquierda|miniatura|Celda donde [[Tehching Hsieh]] realizó su obra de [[arte de resistencia]], la pieza se encuentra en la colección del [[Museo de Arte Moderno de Nueva York]]]]

==== Performance de resistencia ====
{{AP|Arte de resistencia}}
La ''performance'' de resistencia profundiza en el trance, el dolor, la soledad, la privación de libertad, el aislamiento o el agotamiento.<ref>For artists in endurance performances "[q]uestioning the limits of their bodies," Tatiana A. Koroleva, ''Subversive Body in Performance Art'', ProQuest, 2008, pp. 29, 44–46.</ref> Algunas de las obras fundamentadas en el largo paso del tiempo, también conocidas como performances de larga duración.<ref>Paul Allain, Jen Harvie, ''The Routledge Companion to Theatre and Performance'', Routledge, 2014, p. 221. Other terms include duration art, live art or time-based art.</ref> Uno de los artistas precursores es [[Chris Burden]] en California desde los años 1970.<ref>Michael Fallon, ''Creating the Future: Art and Los Angeles in the 1970s'', Counterpoint, 2014, p. 106: "Burden's performances were so widely observed that they took on a life beyond the artist, helping create a new art genre, 'endurance art'..."</ref> En una de las obras más conocidas ''Cinco Días en una Taquilla'' (1971) permanecía encerrado durante cinco días en un taquilla escolar, en ''Brote'' (1971) fue disparado con un arma de fuego, y habitó durante veintidós días en una cama dentro de una galería de arte en ''Pieza de Cama'' (1972).<ref>Emily Anne Kuriyama, [http://ca.complex.com/style/2013/10/chris-burden-art-new-museum/back-to-you "Everything You Need to Know About Chris Burden's Art Through His Greatest Works"] {{Wayback|url=http://ca.complex.com/style/2013/10/chris-burden-art-new-museum/back-to-you |date=20150224083821 }}, ''Complex'', 2 October 2013.</ref> Otro ejemplo de artista de resistencia es Tehching Hsieh. Durante una performance creada en 1980–1981 (''La Pieza de Reloj del Tiempo''), donde permaneció un año completo repitiendo la misma acción alrededor de un reloj metafórico, Hsieh además es conocido por sus performance en torno a la privación de libertad, permaneciendo más de un año confinado.<ref name="Taylor30April2014">Andrew Taylor, [https://www.smh.com.au/entertainment/art-and-design/tehching-hsieh-the-artist-who-took-the-punches-as-they-came-20140429-37fri.html "Tehching Hsieh: The artist who took the punches as they came"], ''Sydney Morning Herald'', 30 April 2014: "Don't try this endurance art at home. That is Tehching Hsieh's advice to artists inspired to emulate the five year-long performances he began in the late 1970s."</ref> En ''La Casa con la Vista al Océano'' (2003), [[Marina Abramović]] vivió silenciosamente durante doce días sin alimentación.<ref name="McEvilleyApril2003">Thomas McEvilley, "Performing the Present Tense – A recent piece by Marina Abramovic blended endurance art and Buddhist meditation," ''Art in America'', 91(4), April 2003.</ref> 

==== The Other ====
[[Archivo:Abramovic Ulay.jpg|miniatura|[[Ulay]] y [[Marina Abramović]], colectivo ''The Other'' en una de sus obras]]
A mediados de 1976, [[Ulay]] y [[Marina Abramović]] fundaron el colectivo The Other en la ciudad de [[Ámsterdam]]. Cuando Abramović y Ulay<ref>{{Cita web|url=https://www.larazon.es/cultura/20200302/kstisk74snhujjhfd2m76hus2m.html|título=Muere Ulay, el compañero artístico y vital de Marina Abramovic|fechaacceso=2 de marzo de 2020|apellido=Pajares|nombre=Gema|fecha=2 de marzo de 2020|sitioweb=La Razón}}</ref> comenzaron su colaboración, los conceptos principales que exploraron fueron el [[ego]] y la identidad artística. Este fue el comienzo de una década de trabajo colaborativo.<ref>{{Cita web|url=https://actualidad.rt.com/actualidad/344687-morir-ulay-artista-expareja-abramovic|título=Muere el artista de la 'performance' Ulay, expareja artística y sentimental de Marina Abramovic|fechaacceso=12 de junio de 2020|fecha=2 de marzo de 2020|sitioweb=RT en Español}}</ref><ref>{{Cita web|url=https://elcultural.com/muere-el-artista-ulay|título=Muere el artista Ulay|fechaacceso=12 de junio de 2020|fecha=2 de marzo de 2020|sitioweb=El Cultural}}</ref> Ambos artistas estaban interesados en las tradiciones de sus patrimonios culturales y el deseo del individuo por los ritos.<ref>{{Cita web|url=https://www.tate.org.uk/art/artworks/abramovic-rhythm-0-t14875|título=‘Rhythm 0’, Marina Abramovic, 1974|fechaacceso=12 de junio de 2020|apellido=Tate|sitioweb=Tate|idioma=en-GB}}</ref> En consecuencia, decidieron formar un colectivo al que llamaron ''The Other'' (''El Otro''). Se vistieron y se comportaron como uno solo, y crearon una relación de completa confianza. Idearon una serie de trabajos en que sus cuerpos creaban espacios adicionales para la interacción con la audiencia. En ''Relation in Space'' (''Relación en el espacio'') corrían alrededor de la sala, dos cuerpos como dos planetas, mezclando las energías masculinas y femeninas en un tercer componente al que llamaron "''that self''" (''eso mismo'').<ref>{{cita web|url=http://www.youtube.com/watch?v=traUaknfR5o|título=Marina Abramović y Ulay en La Artista Está Presente - MoMA 2010}}</ref> ''Relation in Movement'' (''Relación en Movimiento'', 1976) tenía a la pareja conduciendo su automóvil dentro de un museo dando 365 vueltas, un líquido negro salía del automóvil formando una especie de escultura, y cada vuelta representaba un año.<ref>kunstwissen.de [https://archive.today/20120909085829/http://www.kunst-wissen.de/fach/f-kuns/o_pm/abramo0.htm ''Marina Abramovic (1946-'']</ref> Después de esto, idearon ''Death self'' (''La muerte misma''), en la cual ambos unían sus labios e inspiraban el aire expelido por el otro hasta agotar todo el [[oxígeno]] disponible. Exactamente 17 [[Minuto|min]] después del inicio de la performance ambos cayeron al piso inconscientes, ya que sus [[pulmones]] se llenaron de [[dióxido de carbono]]. Esta pieza exploró la idea de la habilidad del individuo de absorber la vida de otra persona, cambiándola y destruyéndola. En 1988, tras varios años de tensa relación, Abramović y Ulay decidieron hacer un viaje espiritual el que daría fin al colectivo. Ambos caminarían por la [[Gran Muralla China]],<ref name="Sin-nombre-p2tn-2">{{cita web|url=http://www.youtube.com/watch?v=O6dF8Gjm-X8|título=Marina Abramovic - ARTIST IS PRESENT (La muraglia cinese)}}</ref> comenzando cada uno por los extremos opuestos y encontrándose en el centro. Abramović concibió esta caminata en un sueño, y le proporcionó lo que para ella era un fin apropiado y romántico a una relación llena de [[misticismo]], energía y atracción.<ref>Gudrun Sachse: [http://www.nzzfolio.ch/www/d80bd71b-b264-4db4-afd0-277884b93470/showarticle/c3aa511b-4a35-46e9-99bc-703d6cfb7141.aspx ''Die Mutter aller Schmerzen'']. In: ''[[NZZ Folio]]'' 1/2007</ref> Cada uno de ellos caminó por uno de los extremos de la [[Gran Muralla China]] y se reunieron en el centro. Ulay partió del [[desierto de Gobi]] y Abramovic en el [[Mar Amarillo]]. Cada uno de ellos caminó 2500 kilómetros, se encontraron en el centro y se dijeron adiós.<ref name="Sin-nombre-p2tn-2"/>

==== Nombres propios ====
En 1973, [[Laurie Anderson]] interpretó ''Duets on Ice'' en las calles de Nueva York. [[Marina Abramović]], en la performance ''Rhythm 10'', incluyó conceptualmente la violación de su cuerpo.<ref>{{cite web|url=http://www.medienkunstnetz.de/works/rhythm-10-2/|title=Marina Abramović Rhythm 10|accessdate=24 de marzo de 2011|publisher=Media Art Net}}</ref> Treinta años después, el tema de la violación, la vergüenza y la explotación sexual sería reimaginado en las obras contemporáneas de artistas como ''Clifford Owens'',<ref>{{cite news|url=http://gothamist.com/2012/03/09/this_sunday_ps1_may_or_may_not_host.php|title=This Sunday MoMA PS1 May Or May Not Host A "Performance Art Rape"|work=[[Gothamist]]|date=9 de marzo de 2012|first=Jen|last=Carlson|accessdate=16 de agosto de 2013|urlarchivo=https://web.archive.org/web/20150810231244/http://gothamist.com/2012/03/09/this_sunday_ps1_may_or_may_not_host.php|fechaarchivo=10 de agosto de 2015}}</ref> ''Gillian Walsh'', ''Pat Oleszko'' y ''Rebecca Patek,'' entre otros.<ref>{{cite news|url=https://www.nytimes.com/2013/07/31/arts/dance/the-margins-of-a-form-are-increasingly-not-where-they-used-to-be.html?smid=fb-share&_r=0|title=The Margins of a Form Are, Increasingly, Not Where They Used to Be|work=[[The New York Times]]|date=30 de julio de 2013|first=Gia|last=Kourlas|accessdate=15 de agosto de 2013|apellidos=|nombre=|periódico=|ubicación=|página=|número=}}</ref> Nuevos artistas con actuaciones radicales se consolidan como precursores principales de la performance, como [[Chris Burden]], con la obra de 1971 ''Shoot'', en la que un asistente le disparó en el brazo izquierdo desde una distancia de unos cinco metros, y [[Vito Acconci]] en el mismo año con ''Seedbed''. La obra de Carolee Schneemann en 1963, ''Eye Body'', ya había sido considerada un prototipo de arte ''performance''. En 1975, Schneemann recurrió a innovadoras actuaciones en solitario, como ''Interior Scroll'', que mostraban el cuerpo femenino como medio artístico.

Uno de los principales nombres propios fue [[Gina Pane]],<ref name = OAO>{{cite web |title = Panel, Gina|url = http://www.oxfordartonline.com/subscriber/article/grove/art/T065032|website=Oxford Art Online|accessdate=8 de marzo de 2015}}</ref> artista francesa de origen italiano. Estudió en la [[École nationale supérieure des Beaux-Arts|École des Beaux-Arts]] en París de 1960 a 1965<ref name = Hillstrom>{{cite book|last1=Hillstrom|first1=Laurie|last2=Hillstrom|first2=Kevin|title=Artistas contemporáneas|url=https://archive.org/details/contemporarywome00kevi|fecha=1999|editor=St. James Press|location=Farmington Hills, MI|isbn=1558623728|pages=[https://archive.org/details/contemporarywome00kevi/page/507 507], 508|fechaacceso=8 de marzo de 2015}}</ref> y fue miembro del movimiento de la performance en la década de 1970 en Francia, llamado "Art Corporel".<ref name = "Braodway1602">{{cite web|title=Gina Pane|url=http://broadway1602.com/artist/gina-pane/|website=Braodway 1602|accessdate=23 de febrero de 2018}}</ref> Paralelo a su arte, Pane enseñó en la Ecole des Beaux-Arts en Mans de 1975 a 1990 y dirigió un ''atelier'' dedicado a la [[performance art|performance]] en el [[Centre Pompidou]] de 1978 a 1979.<ref name="Braodway1602"/> Una de sus obras más reconocidas es''The Conditioning'' (1973), en el que se la acuesta sobre un somier de metal sobre un área de velas encendidas. ''The Conditioning'' fue recreado como homenaje por [[Marina Abramović]], parte de sus ''Seven Easy Pieces''(2005) en el [[Museo Solomon R. Guggenheim]] de [[Nueva York]] en 2005. Gran parte de sus obras están protagonizadas por el dolor autoinfligido, distinguiéndola de la mayoría de las otras artistas de cuerpo femenino de la década de 1970. A través de la violencia de cortar su piel con cuchillas o apagar incendios con sus manos y pies desnudos, Pane tenía la intención de incitar una "experiencia real" en el espectador, quien se sentiría conmovido por su incomodidad.<ref name="OAO"/> La naturaleza impactante de estas primeras performance o acciones, como ella prefería llamarlas, a menudo eclipsó su prolífica práctica fotográfica y escultórica. Sin embargo, el cuerpo era la preocupación central en todo el trabajo de Pane, ya sea literal o conceptualmente.

<gallery mode="packed">
Archivo:Ulay.jpg|Retrato a Ulay en 1972
Archivo:Marina Abramović in Stockholm 2017-2.jpg|Exposición de las primeras obras de [[Marina Abramović]] en [[Estocolmo]]
Archivo:Truncated Pyramid Room.jpg|Instalación de [[Bruce Nauman]] en [[Alemania]]
Archivo:NTSC color bar calibration-(for Video Flag Z by artist Nam June Paik) 2013-07-20 18-21.jpg|Videoinstalación de [[Nam June Paik]]
Archivo:Gilbert.george.jpg|[[Gilbert and George]] en una presentación
Archivo:Orshi Drozdik Brains on High Heels, 1993 installation, photo 2006.jpg|Orshi Drozdik en una de sus exposiciones
</gallery>

=== Años 1980 ===
==== La técnica en la performance ====
Hasta la década de 1980, el arte de la ''performance'' había desmitificado el virtuosismo, siendo una de las claves. Sin embargo a partir de los ochenta, empezó a adoptar una clara brillantez técnica.<ref>{{cite book|last1=Banes|first1=Sally|title=Subversive expectations: performance art and paratheater in New York, 1976–85|publisher=The University of Michigan Press|year=1998|location=New York, New York|pages=120, 1|url=https://books.google.com/books?id=DdrVYfkAm6IC&pg=PA10&dq=1980s+performance+art&ct=result#v=onepage&q=1980s%20performance%20art&f=false|accessdate=23 de marzo de 2011|isbn=0-472-09678-8|enlaceautor=|editor=|página=|idioma=|capítulo=}}</ref> En referencia a la obra ''Presence and Resistance''<ref>{{cite book|last1=Auslander|first1=Philip|title=Presence and Resistance: Postmodernism and Cultural politics in Contemporary American Performance|url=https://archive.org/details/presenceresistan0000ausl|publisher=University of Michigan Press|year=1992|location=Ann Arbour|pages=[https://archive.org/details/presenceresistan0000ausl/page/64 64]–65, 78–79}}</ref> de Philip Auslander, la crítica de danza ''Sally Banes'' escribe: «....a finales de los años ochenta, el arte performance se había vuelto tan conocido que ya no necesitaba ser definido; la cultura de masas, especialmente la televisión, había llegado a proporcionar tanto la estructura como el tema para gran parte del arte performance; y varios artistas de la performance, incluyendo a [[Laurie Anderson]], Spalding Gray, [[Eric Bogosian]], [[Willem Dafoe]] y [[Ann Magnuson]], se habían convertido en artistas polifacéticos en el mundo del entretenimiento».<ref>{{cite book|last1=Banes|first1=Sally|title=Subversive expectations: performance art and paratheater in New York, 1976–85|publisher=The University of Michigan Press|year=1998|location=New York, New York|pages=10, 1|url=https://books.google.com/books?id=DdrVYfkAm6IC&pg=PA10&dq=1980s+performance+art&ct=result#v=onepage&q=1980s%20performance%20art&f=false|accessdate=23 de marzo de 2011|isbn=0-472-09678-8|enlaceautor=|editor=|página=|idioma=|capítulo=}}</ref> Es en esta década donde se definen unos parámetros y tecnicismos construidos con el fin de depurar y perfeccionar la performance.
[[Archivo:Roselee Goldberg Роузли Голдберг (11345275236).jpg|izquierda|miniatura|La crítica y experta en performance [[RoseLee Goldberg]] durante un simposio en [[Moscú]]]]

[[Archivo:TehchingHsiehExhibitMOMA.jpg|miniatura|Exposición de [[Tehching Hsieh]] en el [[Museo de Arte Moderno de Nueva York]] donde el artista realizaba un autorretrato diario]]

==== Crítica e investigación de la performance ====
A pesar de que muchas de las performance se realizan dentro del círculo de un pequeño grupo o colectivo cerrado del mundo del arte, [[RoseLee Goldberg]] destaca en ''Performance Art: From Futurism to the Present'' que «la performance ha sido una forma de atraer directamente a un gran público, además de escandalizar al público para que reconsidere sus propias nociones del arte y su relación con la cultura. Por el contrario, el interés del público por el medio, especialmente en los años ochenta, surge de un aparente deseo de ese público de acceder al mundo del arte, de ser espectador de su ritual y de su distinta comunidad, y de ser sorprendido por las presentaciones inesperadas, siempre poco ortodoxas, que idean los artistas». Es en esta década donde surgen publicaciones y recopilaciones sobre el arte de performance y sus artistas más reconocidos.

==== Performance desde el contexto político ====
Nuevamente en los ochenta, el contexto político juega un papel clave en el desarrollo artístico y más concretamente en la performance, al ser casi todas ellas obras surgidas desde el discurso crítico y político. Hasta el declive del bloque oriental europeo a finales de los años ochenta, el arte de la ''performance'' había sido rechazado activamente por la mayoría de los gobiernos. Con la excepción de [[Polonia]] y [[Yugoslavia]], en otros países de Europa del Este, estaba más o menos prohibido o muy controlado al ser países donde se temía cualquier evento público independiente. En la [[República Democrática Alemana]], [[Checoslovaquia]], [[Hungría]] y [[Letonia]] se realizaban performances de forma privada en apartamentos, en reuniones aparentemente espontáneas, en estudios de artistas, en lugares controlados por la iglesia, o cubierto como otra actividad, como por ejemplo una sesión fotográfica. Aislado del contexto conceptual occidental, en diferentes escenarios fue considerado como una protesta lúdica, utilizando metáforas subversivas corporales o mediante la palabra para expresar su desacuerdo con la situación política.<ref>{{cite web|url=http://perfomap.de/current/kart/reclaiming-the-invisible|title=Reclaiming the Invisible Past of Eastern Europe|accessdate=23 de marzo de 2011|last=Zajanckauska|first=Zane|author2=Interview with Ieva Astahovska|publisher=map - media archive performance|url-status=|archiveurl=https://web.archive.org/web/20110416151339/http://perfomap.de/current/kart/reclaiming-the-invisible|archivedate=16 de abril de 2011|df=}}</ref> Entre las ''performances'' más notables de contenido político en el mundo del arte de esta década se encuentran las obras de [[Tehching Hsieh]] entre julio de 1983 y julio de 1984, ''Art/Life: One Year Performance'' (Rope Piece).

==== Performance poética ====
En 1982 se empezó a utilizar de forma conjunta términos como ''poesía'' y ''performance''. La [[poesía en performance]] surge para distinguir interpretaciones vocales basadas en la palabra de las interpretaciones artísticas, especialmente de las obras de artistas de interpretación escénica o musical, como [[Laurie Anderson]]. Los poetas de ''performance'' se basaban más en la expresión retórica y filosófica de su poética que los artistas de ''performance'', que surgieron de los géneros de las artes visuales de la pintura y la escultura. Muchos artistas desde [[John Cage]], a [[Esther Ferrer]] en España fusionan la performance con una base poética.

==== Performance feminista ====
[[Archivo:Benglis from Arti.jpg|izquierda|miniatura|Retrato de Linda Benglis realizado en 1974]]
[[Archivo:Andres+Pina+Matthias wiki.jpg|miniatura|Retrato a [[Pina Bausch]], 1985]]
Desde 1973, el Feminist Studio Workshop en el ''Woman's Building'' de Los Ángeles tuvo un impacto en la ola de actuaciones con trasfondo feminista, pero hasta la década de los 80 la fusión no fue total. La conjunción entre el feminismo y la ''performance'', en la última década del {{siglo|XX||s}}, ha sido amplia. En las dos primeras décadas de desarrollo de la ''performance'' se crearon obras que en lecturas y críticas actuales han sido entendidas como feministas. No obstante hasta 1980 las artistas se autodefinieron de esta forma. Se formaron grupos de artistas donde destacaban las mujeres influidas tanto por el movimiento estudiantil de 1968 como por el movimiento feminista.<ref>{{Cita publicación|url=http://lasa.international.pitt.edu/Lasa2001/AlcazarJosefina.pdf|título=Mujeres y performance. El cuerpo como soporte|apellidos=Alcázar|nombre=Josefina|fecha=2001|publicación=Centro de Investigación Teatral Rodolfo Usigli|fechaacceso=2019|doi=|pmid=}}</ref> Esta conexión ha sido tratada en las investigaciones de historia del arte contemporáneo. Algunas de las mujeres que más aportaron de manera innovadora en representaciones o espectáculos fueron [[Pina Bausch]], en 1985 surgieron las [[Guerrilla Girls]] en [[Nueva York]].<ref>{{Cita web|url=http://www.guerrillagirls.com/our-story/|título=Our Story|fechaacceso=21 de septiembre de 2016|autor=Guerrilla Girls|enlaceautor=|fecha=|idioma=inglés|sitioweb=|editorial=}}</ref> Colectivo artístico [[Seudonimato y anonimato|anónimo]] de [[Arte feminista|artistas feministas]] y [[Antirracismo|antirracistas.]]<ref name=":1" /><ref>{{Cita web|url=https://www.mujeresenred.net/spip.php?article1566|título=GUERRILLA GIRLS. La conciencia del mundo del arte|fechaacceso=24 de mayo de 2019|sitioweb=www.mujeresenred.net}}</ref><ref>{{Cita web|url=https://www.clarin.com/cultura/guerrilla-girls-traen-buenos-aires-30-anos-protestas_0_XQ75Uh2dL.html|título=Guerrilla Girls, la potencia del arte feminista llega a Buenos Aires|fechaacceso=24 de mayo de 2019|sitioweb=Clarín}}</ref><ref>{{Cita web|url=https://www.revistacactus.com/la-guerra-de-guerrilla-girls/|título=La guerra de Guerrilla Girls|fechaacceso=24 de mayo de 2019|fecha=25 de diciembre de 2013|sitioweb=Cactus}}</ref> Se denominó así por usar en su activismo [[guerrilla de la comunicación|tácticas de guerrilla]] entendida como guerrilla de comunicación<ref name=":1">{{Cita publicación|url=https://repositorio.uesiglo21.edu.ar/handle/ues21/13800|título=Guerrilla Girls|apellido=Pierucci|nombre=Josefina|fecha=2017|páginas=1, 5|fechaacceso=23 de marzo de 2018|fechaarchivo=17 de octubre de 2018|urlarchivo=https://web.archive.org/web/20181017203516/https://repositorio.uesiglo21.edu.ar/handle/ues21/13800|urlmuerta=sí}}</ref> para denunciar la discriminación de las mujeres en el arte a través de obras políticas y de ''performance''.<ref>{{Cita publicación|url=https://revistas.ucm.es/index.php/INFE/article/view/41877|título=El desafío de las artistas contemporáneas. Una aproximación a la presencia de las creadoras en las ferias de arte contemporáneo. El caso de ARCO.|apellidos=Martín|nombre=Yolanda Beteta|fecha=24 de abril de 2013|publicación=Investigaciones Feministas|volumen=4|número=0|páginas=49–65|fechaacceso=23 de marzo de 2018|issn=2171-6080|doi=10.5209/rev_INFE.2013.v4.41877}}</ref><ref>{{Cita web|url=https://www.publico.es/culturas/guerrilla-girls-guerrilla-girls-revolucion-mujeres-artistas.html|título=Las Guerrilla Girls, la revolución de las mujeres artistas|fechaacceso=24 de mayo de 2019|sitioweb=www.publico.es}}</ref><ref>{{Cita web|url=http://www.distritoarte.com/guerrilla-girls-arte-feminista/|título=Guerrilla Girls: arte feminista|fechaacceso=24 de mayo de 2019|fecha=9 de junio de 2016|sitioweb=Distrito Arte|fechaarchivo=24 de mayo de 2019|urlarchivo=https://web.archive.org/web/20190524183031/http://www.distritoarte.com/guerrilla-girls-arte-feminista/|urlmuerta=sí}}</ref><ref>{{Cita web|url=https://indiehoy.com/especiales/galeria/guerrilla-girls-la-muestra-del-iconico-colectivo-feminista-llega-buenos-aires/|título=Guerrilla Girls: La muestra del icónico colectivo feminista que llega a Buenos Aires|fechaacceso=24 de mayo de 2019|apellido=Aiello|nombre=Julieta|fecha=15 de noviembre de 2018|sitioweb=Indie Hoy}}</ref> Su primera ''performance'' fue colocar carteles y hacer apariciones públicas en museos y galerías de Nueva York, para denunciar que algunos grupos de personas eran discriminados por motivos de género y raza principalmente.<ref>{{Cita web|url=https://historia-arte.com/artistas/guerrilla-girls|título=Guerrilla Girls|fechaacceso=24 de mayo de 2019|sitioweb=HA!}}</ref> Todo esto lo hicieron de forma anónima, de hecho, en todas y cada una de estas apariciones, cubrieron sus rostros con máscaras de gorila (esto se debía a que la pronunciación inglesa de gorila es muy parecida a la de guerrilla) y, además de eso, utilizaban como sobrenombre el nombre de artistas mujeres ya fallecidas.<ref>{{Cita noticia|apellidos=Tate|título=‘Do Women Have To Be Naked To Get Into the Met. Museum?’, Guerrilla Girls, 1989|url=https://www.tate.org.uk/art/artworks/guerrilla-girls-do-women-have-to-be-naked-to-get-into-the-met-museum-p78793|fechaacceso=17 de octubre de 2018|periódico=Tate|idioma=en-GB}}</ref>

De los setenta a los ochenta, entre las opciones que retan al sistema y sus estrategias habituales de representación, son las protagonizadas por cuerpos de mujer. Las acciones en la ciudad de Nueva York de [[Ana Mendieta]] donde el cuerpo es violentado y maltratado o las representaciones artistísticas desde un discurso más minimalista que surgen desde los finales de los setenta y ochenta de [[Louise Bourgeois]]. Mención especial obras creadas a partir de la corporeidad femenina y feminista de artistas como Lynda Benglis y sus acciones performativas fálicas. Reconstruyendo la imagen femenina para no ser únicamente fragmentaria o fetichista. Así mediante las performances feministas el cuerpo pasa a ser un espacio de conformación de todos estos nuevos discursos y significados donde las mueres llegan hasta las más extremas consecuencias, como la artista Eleanor Antin, creadora que en los 70 y 80, trabaja en la línea de revisión de género, raza y clase. [[Cindy Sherman]], en sus primeras obras en los 70 y ya en su madurez artística en los 80, continua la línea crítica de trastocar el yo impuesto y el relato usual y hacerlo desde el cuerpo como objeto de privilegio.

[[Archivo:Hallway in the Wexner Center for the Arts.jpg|miniatura|Exposición de [[Cindy Sherman]] en [[Estados Unidos]]]]
[[Cindy Sherman]] es una [[Fotógrafo|fotógrafa]] y artista estadounidense. Una de las mayores representantes de la fotografía de posguerra, exhibió más de tres décadas de su trabajo en el [[MoMA]] de [[Nueva York]]. A pesar de que en la mayoría de sus fotografías performativas aparece ella misma, no las considera autorretratos. Sherman se utiliza a sí misma como vehículo para representar una gran variedad de temas del mundo contemporáneo, como el papel de la mujer o el papel del artista. A través de una serie de diferentes obras, Sherman ha planteado difíciles e importantes preguntas sobre el papel y la representación de las mujeres en la sociedad, los medios de comunicación y la naturaleza de la creación del arte. En 2020 fue galardonada con el [[Premio de la Fundación Wolf de las Artes]].<ref>{{Cita web|url=https://wolffund.org.il/2020/01/13/cindy-sherman/|título=Cindy Sherman|fechaacceso=20 de enero de 2020|fecha=13 de enero de 2020|sitioweb=Wolf Foundation|idioma=en-US|fechaarchivo=13 de enero de 2020|urlarchivo=https://web.archive.org/web/20200113105103/https://wolffund.org.il/2020/01/13/cindy-sherman/|deadurl=yes}}</ref>

[[Judy Chicago]] es una artista y pionera del [[arte feminista]] y de performance [[Estados Unidos|estadounidense]]. Chicago es conocida por sus grandes piezas de instalación de arte colaborativo sobre imágenes de nacimiento y creación, que examinan el papel de las mujeres en la historia y cultura. En los 1970’s, Chicago había fundado el primer programa de arte feminista en los Estados Unidos. El trabajo de Chicago incorpora una variedad de habilidades artísticas, como la costura, contrarrestada con habilidades que requieren mucha mano de obra, como soldadura y pirotecnia. El trabajo más conocido de Chicago es ''[[The Dinner Party]],'' que se instala permanentemente en el Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art en el [[Museo Brooklyn|Brooklyn Museum]]. ''The Dinner Party'' celebra los logros de las mujeres a lo largo de la historia y es ampliamente considerada como la primera obra de arte épica feminista. Otros proyectos notables de arte de Chicago incluyen ''International Honor Quilt'', ''The Birth Project,''<ref>{{Cita libro|edición=1st ed|título=The birth project|url=https://www.worldcat.org/oclc/11159627|editorial=Doubleday|fecha=1985|fechaacceso=8 de junio de 2020|isbn=0385187106|oclc=11159627|nombre=Chicago, Judy,|apellidos=1939-}}</ref> ''Powerplay,''<ref>{{Cita libro|título=Judy Chicago : reviewing powerplay|url=https://www.worldcat.org/oclc/841601939|editorial=David Richard Gallery|fecha=2012|fechaacceso=8 de junio de 2020|isbn=9780983931232|oclc=841601939|nombre=Chicago, Judy,|apellidos=1939-|nombre2=David Richard|apellidos2=Gallery.}}</ref> y ''The Holocaust Project.''<ref>{{Cita libro|título=Holocaust project : from darkness into light|url=https://www.worldcat.org/oclc/27145289|editorial=Penguin Books|fecha=1993|fechaacceso=8 de junio de 2020|isbn=0140159916|oclc=27145289|nombre=Chicago, Judy,|apellidos=1939-}}</ref>

<br /><gallery mode="packed">
Archivo:Students visiting Martha Rosler's show with Gregory Sholette.jpg|Estudiantes en exposición de [[Martha Rosler]]
Archivo:Guerrilla Girls - V&A Museum, London.jpg|Las [[Guerrilla Girls]] en una inauguración en [[Londres]]
Archivo:Guerrilla girls MOMA.jpg|Obras del grupo 'Guerrilla Girls' en exposición en el [[MoMA|Museum of Modern Art (MoMA)]], [[Manhattan]], [[Nueva York]]
Archivo:Mjellby konstmuseum interiör 2019 guerrilla girls.jpg|Exposición de las [[Guerrilla Girls]]
Archivo:Aranha, Louise Joséphine Bourgeois (5878031270).jpg|Instalación de [[Louise Bourgeois]] en un museo brasileño
Archivo:Judy Chicago with flight hood.jpg|Retrato de [[Judy Chicago]]
</gallery>

==== Expansión a Latinoamérica ====
En esta década el arte ''performance'' se fue extendiendo hasta llegar a Latinoamérica a través de los talleres que ofrecían las universidades o programas desarrollados por instituciones académicas. Principalmente se desarrolló en México, en Colombia —con artistas como [[María Teresa Hincapié]]—, en Brasil y en Argentina.<ref name=":0" />

[[Archivo:Escuchando los Sonidos de la muerte - Teresa Margolles.jpg|miniatura|Mujeres interactuando en la obra ''Escuchando los sonidos de la muerte'' de [[Teresa Margolles]] en el Museo de la Memoria y la Tolerancia de [[Ciudad de México]]]]
[[Ana Mendieta]] fue una [[arte conceptual|artista conceptual]] y de ''performance'' nacida en [[Cuba]] y criada en [[Estados Unidos]]. Es especialmente reconocida por sus obras de arte y ''performances'' en el marco del [[land art]]. El trabajo de Mendieta era conocido sobre todo en el entorno de la crítica de arte feminista. Años después de su muerte, especialmente a partir de una retrospectiva del [[Museo Whitney de Arte Estadounidense|Museo Whitney]] de Arte Estadounidense en 2004<ref>{{Cita noticia|apellidos=Cotter|nombre=Holland|título=ART REVIEW; Disappearing: Her Special Act|url=https://www.nytimes.com/2004/07/09/arts/art-review-disappearing-her-special-act.html|fecha=9 de julio de 2004|fechaacceso=28 de diciembre de 2018|periódico=The New York Times|issn=0362-4331|idioma=en-US}}</ref> y la retrospectiva en la Galería Haywart en Londres en 2013<ref>{{Cita web|url=https://www.southbankcentre.co.uk/blog/hayward-gallery-exhibition-trailer-ana-mendieta-traces|título=Hayward Gallery Exhibition Trailer: Ana Mendieta, Traces {{!}} Southbank Centre|fechaacceso=28 de diciembre de 2018|sitioweb=www.southbankcentre.co.uk}}</ref> es considerada pionera de la ''performance'' y de otras prácticas asociadas con el [[arte corporal]], el [[Land Art|arte terrestre]], la escultura y la fotografía.<ref name=":1" /> Ella misma describió su trabajo como ''earth-body art''.<ref name=":175">{{Cita noticia|apellidos=O'Hagan|nombre=Sean|título=Ana Mendieta: death of an artist foretold in blood|url=http://www.theguardian.com/artanddesign/2013/sep/22/ana-mendieta-artist-work-foretold-death|fecha=21 de septiembre de 2013|fechaacceso=28 de diciembre de 2018|periódico=The Guardian|issn=0261-3077|idioma=en-GB}}</ref><ref name=":3">{{Cita publicación|url=https://www.jstor.org/stable/1358840?seq=1#page_scan_tab_contents|título=Ana Mendieta: "Pain of Cuba, Body I Am"|apellidos=Cabañas|nombre=Kaira M.|fecha=1999|publicación=Woman's Art Journal
Vol. 20, No. 1 (Spring - Summer, 1999), pp. 12-17|fechaacceso=|doi=10.2307/1358840|pmid=}}</ref>

[[Tania Bruguera]] es una [[artista]] [[cuba]]na especializada en ''performance'' y arte político. Su obra se centra en su interpretación de temas políticos y sociales.<ref name="hemispheric">{{cita web|url=http://hemisphericinstitute.org/hemi/es/enc09-performances/item/52-09-tania-bruguera|título=Tania Bruguera|fechaacceso=27 de mayo de 2020|autor=Hemispheric Institute|fecha=2009|urlarchivo=https://web.archive.org/web/20161005124055/http://hemisphericinstitute.org/hemi/es/enc09-performances/item/52-09-tania-bruguera|fechaarchivo=5 de octubre de 2016}}</ref> Para definir sus prácticas artísticas ha desarrollado conceptos como el «arte de conducta» con foco en los límites del lenguaje y del cuerpo confrontados a la reacción y comportamiento de los espectadores, asimismo propone un «arte útil» que haga una transformación real a ciertos aspectos políticos y legales de la sociedad. El trabajo de Bruguera revuelve alrededor de temas de poder y control y mucho de su trabajo interroga el contexto presente en su país natal, Cuba. En 2002 creó la Cátedra Arte de Conducta en La Habana.<ref>{{cita web|url=http://www.taniabruguera.com/cms/608-0-GLOSSARY.htm|título=Glosario|fechaacceso=27 de mayo de 2020|autor=Tania Bruguera|fecha=|fechaarchivo=21 de febrero de 2020|urlarchivo=https://web.archive.org/web/20200221170400/http://www.taniabruguera.com/cms/608-0-GLOSSARY.htm|deadurl=yes}}</ref><ref>{{Cita libro|apellidos=Pinto|nombre=Roberto|enlaceautor=|título=Ejercicio de Resistencia Tania Bruguera|url=|fechaacceso=27 de mayo de 2020|año=2003|editorial=Torino|isbn=|editor=|ubicación=Turin, Italia|página=25|idioma=italiano|capítulo=}}</ref><ref name="Sin-nombre-p2tn-3">{{Cita libro|apellidos=Pinto|nombre=Roberto|enlaceautor=|título=Ejercicio de Resistencia Tania Bruguera|url=|fechaacceso=|año=2003|editorial=Galeria Soffiantino|isbn=|editor=|ubicación=Turin, Italia|página=25-26|idioma=italiano|capítulo=}}</ref>

[[Archivo:Marta Minujín 1965 (2).jpg|izquierda|miniatura|La artista argentina [[Marta Minujín]] durante una performance]]
[[Regina José Galindo]] es una artista [[guatemalteca]] especializada en ''performance''. Su obra se caracteriza por su explícito contenido político y crítico, empleando su propio cuerpo como herramienta de confrontación y transformación social.<ref>{{Cita web|url=https://puntadassubversivas.wordpress.com/2016/04/02/conversacion-con-regina-jose-galindo/|título=Conversaciones con Regina José Galindo|fechaacceso=26 de mayo de 2020}}</ref> Su trayectoria artística está marcada por el [[Guerra civil de Guatemala|conflicto armado de Guatemala]] que tuvo lugar entre 1960 y 1996 y que provocó un genocidio con más de 200 mil víctimas, muchas de ellas indígenas, campesinos y mujeres y niñas.<ref name=":0">{{Cita web|url=https://www.plataformadeartecontemporaneo.com/pac/woman-art-house-regina-jose-galindo/|título=Woman Art House: Regina José Galindo -|fechaacceso=26 de mayo de 2020|fecha=20 de abril de 2018|sitioweb=Plataforma de Arte Contemporáneo}}</ref> Con su obra, Galindo denuncia la violencia, el [[machismo]] (uno de sus principales temas es el [[feminicidio]]), el [[canon de belleza]] occidental, la represión de los estados, y el abuso de poder, especialmente en el contexto de su país aunque su lenguaje traspasa fronteras. Desde el primer momento, utilizó solamente su cuerpo, que en ocasiones lleva a situaciones extremas (como en el caso de ''"Himenoplastia" (2004)'' donde se somete a una reconstrucción del [[himen]], pieza ganadora del [[León de Oro (Bienal de Arte de Venecia)|León de Oro]] en la [[Bienal de Venecia]]), para posteriormente contar con personas voluntarias o contratadas que interactúan con ella, con lo que pierde el control sobre la acción.<ref name="c4ae0e89">{{Cita web|url=https://poetassigloveintiuno.blogspot.com.es/2012/08/7515-regina-jose-galindo.html|título=Poetas {{Siglo|XXI||s}}: Regina José Galindo|fechaacceso=5 de junio de 2020|autor=|enlaceautor=|fecha=|sitioweb=|editorial=|idioma=}}</ref>

[[Teresa Margolles]] es una artista conceptual especializada en performance. Su obra artística se centra en explorar las causas sociales y consecuencias de la muerte denunciando la violencia que azota [[México]] con el objetivo de posicionar la situación de violencia en el debate público. De 1990 a 2007 trabaja en las morgues. A partir del aumento de asesinatos en 2006 empieza a trabajar en las calles recogiendo los materiales con los que trabajaba de los cadáveres que se encuentran en el espacio público. La muerte forma parte en ese momento de la vida cotidiana de las personas y tiene consecuencias directas en las familias, la comunidad y en la propia vida de las ciudades.<ref>{{Cita web|url=http://www.elcultural.com/noticias/arte/Teresa-Margolles-Apuesto-por-un-arte-vivo-y-critico/5922|título=Teresa Margolles: "Apuesto por un arte vivo y crítico"|fechaacceso=5 de junio de 2020|sitioweb=www.elcultural.com}}</ref><ref>{{Cita noticia|título=Pistas de baile, un retrato de la prostitución trans de Teresa Margolles en Ciudad Juárez|url=https://graffica.info/pistas-de-baile-teresa-margolles/|fecha=11 de junio de 2017|fechaacceso=5 de junio de 2020|periódico=[[Gràffica]]}}</ref><ref>{{Cita web|url=http://www.mutualart.com/Artist/Teresa-Margolles/9DA08DB243C8D63E#artist_biography|título=Teresa Margolles (Mexican, 1963) - MutualArt|fechaacceso=5 de junio de 2020|sitioweb=www.mutualart.com|idioma=en}}</ref><ref>{{Cita noticia|título=Teresa Margolles: El arte y la muerte|url=http://culturacolectiva.com/teresa-margolles-el-arte-y-la-muerte/|fecha=3 de octubre de 2012|fechaacceso=5 de junio de 2020|periódico=Cultura Colectiva}}</ref>

[[Marta Minujín]] es una [[Artes plásticas|artista plástica]] argentina, conocida por sus obras [[Vanguardismo|vanguardistas]] producidas principalmente durante los años 1960, años 1970 y años 1980. Su obra, de carácter [[Arte conceptual|conceptual]], [[Arte pop|pop]], [[Arte psicodélico|psicodélico]] y [[Arte de acción|de acción]], entran en la [[Baby boomer|generación baby boomer]] que, en los años 1960, revolucionó las [[normas sociales]] preestablecidas y estableció una [[contracultura]].<ref name="telefonica">{{cita web|url=http://www.fundacion.telefonica.com/es/prensa/noticias/arte/2012/junio/pdf/biografia_de_marta_minujin.pdf|título=Biografía de Marta Minujín|fechaacceso=5 de junio de 2020|fecha=Junio de 2012|obra=Fundación Telefónica|editorial=|urlarchivo=https://web.archive.org/web/20120626030304/http://www.fundacion.telefonica.com/es/prensa/noticias/arte/2012/junio/pdf/biografia_de_marta_minujin.pdf|fechaarchivo=26 de junio de 2012}}</ref><ref name="furia">{{cita web|url=http://www.revistaenie.clarin.com/arte/Marta_Minujin-Malba_0_383961641.html|título=La furia creativa de Marta Minujín|fechaacceso= 5 de junio de 2020|fecha=3 de diciembre de 2010|obra=[[Revista Ñ]]|editorial=[[Clarín (periódico)|Clarín]]}}</ref>

[[Archivo:Maiolino occupy Gardener's house a.JPG|miniatura|Instalación de [[Anna Maria Maiolino]] en [[documenta]] 13]]
[[Mónica Mayer]] es una [[artista]] [[México|mexicana]] [[Feminismo|feminista]] que se dedica a los campos de la ''performance'', la [[Imagen digital|gráfica digital]], el [[dibujo]], la [[fotografía]] y la [[teoría del arte]].<ref>{{Cita web|url = https://revista.escaner.cl/node/471|título = MÓNICA MAYER... EL PERFORMANCE; UNA FORMA (CONGRUENTE) DE REFLEXIONAR SOBRE LA VIDA|autor = Araceli Zuñiga|enlaceautor = |fecha = |idioma = |editorial = Escáner Cultural, REVISTA VIRTUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO Y NUEVAS TENDENCIAS|fechaacceso = 5 de junio de 2020}}</ref> Como [[Arte conceptual|artista conceptual]], [[Comisario (arte)|comisaria]], crítica y teórica del arte participa en varios foros y grupos, y organiza talleres y acciones colectivas.<ref>{{Cita web|url=https://www.pintomiraya.com/|título=Pinto mi Raya|fechaacceso=5 de junio de 2020|autor=Mónica Mayer}}</ref><ref>{{Cita web|url=https://pregunte.pintomiraya.com/|título=Inicio|fechaacceso=5 de junio de 2020|sitioweb=pregunte.pintomiraya.com}}</ref><ref>{{Cita web|url=https://www.pintomiraya.com/redes/|título=De archivos y redes :: Inicio ::|fechaacceso=5 de junio de 2020|sitioweb=www.pintomiraya.com}}</ref> Mayer hace uso frecuente del ''performance'' como puesta en escena artística, y de obra participativa como estrategia estética y política. Además tiene una amplia producción bidimensional a lo largo de su carrera que privilegia las técnicas de dibujo y [[collage]].<ref>{{Cita web|url=http://www.museodemujeres.com/es/exposiciones/258-rayando-dibujos-de-monica-mayer|título=Rayando: dibujos de Mónica Mayer. Un ensayo a tres voces - Museo de Mujeres|fechaacceso=5 de junio de 2020|apellido=Rugo|nombre=Elisa|sitioweb=www.museodemujeres.com}}</ref> La idea de hacer visibles los problemas que se generan en la vida cotidiana de las mujeres tiene gran impacto en el trabajo de Mónica, que no solamente es precursora del arte feminista en México, sino también lo es en América Latina.<ref>{{Cita web|url=https://www.uam.mx/difusion/casadeltiempo/32_sep_2016/TiempoenlacasaNo32_sep_2016.pdf|título=Nombrar lo político desde el cuerpo: reflexiones en torno a la obra de Mónica Mayer}}</ref>

[[Anna Maria Maiolino]] es una artista brasileña especializada en performance.<ref name="auto">{{Cite journal|url=https://www.oxfordartonline.com/groveart/view/10.1093/gao/9781884446054.001.0001/oao-9781884446054-e-2000000113 |title=Maiolino, Anna Maria |last = de Laforcade |first = Sonia |publisher = Oxford Art Online - Grove Art Online |website = oxfordartonline.com |language=en |doi=10.1093/oao/9781884446054.013.2000000113 |date = 26 de marzo de 2018 |access-date=22 May 2019 }}</ref> Maiolino nació en [[Scalea]], en [[Calabria]] en el sur de [[Italia]], de padre italiano y madre ecuatoriana. En 1954, emigró con su familia a [[Venezuela]].<ref name=":386">{{cite book|last1=de Zegher|first1=Catherine|title=Women's work is never done: an anthology|url=https://archive.org/details/womensworkisneve0000zegh|date=2014|publisher=AsaMER|location=Gent|isbn=9789490693473|page=[https://archive.org/details/womensworkisneve0000zegh/page/171 171]}}</ref><ref>{{Cite book|title=WACK! : art and the feminist revolution|url=https://archive.org/details/wackartfeministr0000unse|date=2007|publisher=Museum of Contemporary Art|others=Butler, Cornelia H., Mark, Lisa Gabrielle., Museum of Contemporary Art (Los Angeles, Calif.)|isbn=978-0914357995|location=Los Angeles|oclc=73743482}}</ref> En 1960, Ella y su familia se mudaron a [[Río de Janeiro]], Brasil. Allí, recibió formación especializada en la Escuela Nacional de Bellas Artes<ref name=":0" /> desde entonces es una de las más reconocidas artistas de performance en Brasil.

[[María Eugenia Chellet]] es una [[artista visual]] [[mexicana]] activa desde los años 60 que ha evolucionado de la [[fotografía]] a los [[Técnica mixta|medios mixtos]] y el arte performance.<ref name=arteshistoria>{{cite web |title= María Eugenia Chellet |publisher= Artes e Historia México magazine |url= http://www.arts-history.mx/sitios/index.php?id_sitio=513736&id_seccion=302829&id_subseccion=795078&id_documento=2014 |accessdate= 15 de febrero de 2015 |deadurl= yes |archiveurl= https://web.archive.org/web/20150216030206/http://www.arts-history.mx/sitios/index.php?id_sitio=513736&id_seccion=302829&id_subseccion=795078&id_documento=2014 |archivedate= 16 de febrero de 2015 |df=  }}</ref> Su obra se dirige a la exploración de [[arquetipo]]s [[femenino]]s y otras imágenes relacionadas con la [[feminidad]] usándose a sí misma en papeles como [[cristianismo|figuras femeninas bíblicas]], en obras de [[arte clásico]] y aquellas de [[medios masivos]] comerciales del {{siglo|XX||s}} al presente. Su obra ha sido reconocida con numerosas veces por el [[Salón de la Plástica Mexicana]].

[[Lygia Clark]] fue una [[artista]] [[brasil]]eña, cofundadora del Movimiento Neoconcreto, comprometida con redefinir la relación entre el arte y el ser humano a nivel conceptual y sensorial. Realizó [[pintura]]s, [[escultura]]s y acciones sensoriales vinculadas al arte y a la [[psicoterapia]]. Muy vinculada al arte de performance.<ref>{{cita publicación |apellido=Maura |nombre=Antonio |título=Cartografías estéticas. Arte en Brasil hoy. |año=2008 |publicación=Revista de Cultura Brasileña |volumen= |número=6 |issn=1988-6691 |url=http://hemeroteca.fchb.es/hemeroteca/ver/785 |urlarchivo=https://web.archive.org/web/20130612050433/http://hemeroteca.fchb.es/hemeroteca/ver/785 |fechaarchivo=12 de junio de 2013 }}</ref><ref>{{cita web |url=http://www.itaucultural.org.br/aplicexternas/enciclopedia_ic/index.cfm?fuseaction=artistas_biografia_esp&cd_item=1&cd_verbete=4203&cd_idioma=28557 |título=Lygia Clark (1920-1988) |autor=Enciclopedia Itaú de Artes Visuales |fecha= |fechaacceso=5 de junio de 2020 |fechaarchivo=16 de diciembre de 2010 |urlarchivo=https://web.archive.org/web/20101216075142/http://www.itaucultural.org.br/aplicExternas/enciclopedia_IC/index.cfm?fuseaction=artistas_biografia_esp&cd_item=1&cd_idioma=28557&cd_verbete=4203 |deadurl=yes }}</ref><ref>{{cita web |url=http://www.artemercosur.org.uy/clark/index.html |título=Lygia Clark |fechaacceso=5 de junio de 2020 |autor=Artemercosur.org.uy}}</ref>

[[Lorena Wolffer]] es una [[artista]] y [[activismo|activista]] cultural [[Pueblo mexicano|mexicana]].<ref name=":934">{{Cita web|url=http://www.museoartemoderno.com/lorena-wolffer/#/texto-curatorial/|título=Texto curatorial de la exposición "Expuestas" de Lorena Wolffer|fechaacceso=5 de junio de 2020|sitioweb=Sitio web del Museo de Arte Moderno de México|urlarchivo=https://web.archive.org/web/20160307111607/http://www.museoartemoderno.com/lorena-wolffer/#/texto-curatorial/|fechaarchivo=7 de marzo de 2016}}</ref><ref>{{Cita web|url=http://somamexico.org/es/soma-summer/lorena-wolffer|título=SOMA MÉXICO, Lorena Wolffer|fechaacceso=5 de junio de 2020|sitioweb=somamexico.org|urlarchivo=https://web.archive.org/web/20160307114425/http://somamexico.org/es/soma-summer/lorena-wolffer|fechaarchivo=7 de marzo de 2016}}</ref> En su carrera ha implementado y desarrollado la temática de género, específicamente los derechos y la voz de la mujer en el arte. Su obra en general es de denuncia y una muestra para concientizar sobre la situación real, por lo que aborda la violencia de género, los estereotipos femeninos y los prejuicios sociales.<ref>{{Cita web|url=https://www.jornada.unam.mx/2015/07/11/cultura/a03n1cul|título=La Jornada: Lorena Wolffer visibiliza la violencia de género en el país|fechaacceso=5 de junio de 2020|apellido=Vargas|nombre=Ángel|sitioweb=La Jornada (México)}}</ref><ref>{{Cita web|url=https://www.redalyc.org/articulo.oa?id=99827467013|título=Entrevista a Lorena Wolffer|fechaacceso=5 de junio de 2020|fecha=1 de enero de 2013|sitioweb=Revista Electrónica Sinéctica}}</ref>

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Archivo:Salle du musée Berardo (Lisbonne) (1457092684).jpg|Exposición de la artista cubana [[Ana Mendieta]] en el [[Museu Coleção Berardo]]
Archivo:Tania bruguera.jpg|Retrato a la artista cubana [[Tania Bruguera]]
Archivo:Regina José Galindo en Ciudad de Guatemala.jpg|Retrato a la artista guatemalteca [[Regina José Galindo]]
Archivo:Fotografía de la artista plástica argentina Marta Minujín.jpg|Retrato a la artista argentina [[Marta Minujín]]
Archivo:Marta Minujín 1968.jpg|La artista argentina [[Marta Minujín]] durante una performance
Archivo:Marta Minujín Torre de Babel.jpg|Instalación de [[Marta Minujín]]
Archivo:Mónica Mayer.JPG|Retrato a la artista mexicana [[Mónica Mayer]]
Archivo:El Tendedero (The Clothesline) de Mónica Mayer.jpg|Reactivación de la obra de [[Mónica Mayer]] en el Museo Universitario de la [[Ciudad de México]]
Archivo:Lygia Clark e Fayga Ostrower.tif|Retrato a la artista brasileña [[Lygia Clark]]
Archivo:Lorena Wolffer cropped.jpg|Retrato a la artista mexicana [[Lorena Wolffer]]
MissLupita44.jpeg|La artista mexicana [[María Eugenia Chellet]] en su taller de ''Muñecas Lupe''
</gallery>

=== Años 1990 ===
La década de los noventa es un momento de ausencia en la performance europea clásica, por lo que muchos artistas especializados en este arte permanecen en un perfil bajo, sin embargo de gran auge en Europa del Este. Por otro lado la performance latinoamericana continua en auge, así como la performance de contenido feminista. A tener en cuenta el gran apogeo de la disciplina en países asiáticos, ya motivados desde los orígenes de la danza [[Butō]] en los cincuenta, pero en esta década se profesionalizan y surgen nuevos artistas chinos con gran reconocimiento. La profesionalización también se observa con un gran incremento de exposiciones dedicadas al performance y la apertura de la [[Bienal de Arte de Venecia]] a la performance, donde desde entonces varios artistas de esta disciplina han ganado el [[León de Oro (Bienal de Arte de Venecia)|León de Oro]] como Anne ''Imhof,'' [[Regina José Galindo]] o [[Santiago Sierra]].[[Archivo:Le pavillon de la Roumanie (55ème Biennale de Venise) (10168263944).jpg|izquierda|miniatura|Performance en el [[Pabellón de Rumania en la Bienal de Venecia]]]]
[[Archivo:Hsieh- 5782-sm (5132854315).jpg|miniatura|Exposición del artista chino Tehching Hsieh con documentación de sus primeras ''performances'']]
[[Archivo:Art Performance Center at Taitung University.jpg|miniatura|Museo y centro especializado en arte de performance en Taitung University]]
==== Performance desde el contexto político ====
Mientras el [[Bloque del Este|bloque soviético]] se disolvía, algunas performances prohibidas empezaron a expandirse. Jóvenes artistas de todo el antiguo bloque del Este, incluida Rusia, se volcaron en la ''performance''. Las artes escénicas aparecieron más o menos al mismo tiempo y se reforzaron en [[Cuba]], el Caribe y China. «En estos contextos, la ''performance'' se convirtió en una nueva voz crítica con una fuerza social similar a la de [[Europa Occidental]], Estados Unidos y Sudamérica en los años sesenta y principios de los setenta. Debe enfatizarse que la erupción del arte ''performance'' en la década de 1990 en Europa del Este, China, Sudáfrica, Cuba y otros lugares nunca debe ser considerada secundaria o imitativa de Occidente».<ref>{{cite book|last1=Montano|first1=Linda M.|title=Performance artists talking in the eighties|publisher=University of California Press University of California Press Berkeley|year=2000|location=Los Angeles, London|pages=479, 2|url=https://books.google.com/books?id=5Bl6wm-cV_oC&pg=PA479&dq=performance+art+1990s&ct=result#v=onepage&q=performance%20art&f=false|accessdate=31 de marzo de 2011|isbn=0-520-21022-0|enlaceautor=|editor=|página=|idioma=|capítulo=}}</ref>

==== Profesionalización de la performance ====
En el mundo occidental, en la década de 1990, la ''performance'' se incorpora en parte de la corriente cultural dominante. Así diferentes obras de performance, en vivo, en fotografía o mediante documentación empiezan a ser parte galerías y museos entendiendo la ''performance'' como forma artística, siendo admitida en los museos de arte y convirtiéndose en un tema museístico.<ref>{{cite book|last1=Targ Brill|first1=Marlene|title=America in the 1990s|publisher=Lerner Publishing Group|year=2009|pages=93, 1|location=Minneapolis|url=https://books.google.com/books?id=BNXeIFQScocC&dq=performance+art+1990s&q=performance#v=snippet&q=performance&f=false|accessdate=31 de marzo de 2011|isbn=978-0-8225-7603-7|enlaceautor=|editor=|página=|idioma=|capítulo=}}</ref> No obstante hasta la siguiente década se produce una mayor institucionalización, incorporando piezas performativas a todas las colecciones museísticas e incluso dedicando grandes exposiciones y retrospectivas en los museos más importante como la [[Tate Modern]] en [[Londres]], el [[MoMA]] en [[Nueva York]] o el [[Centro Pompidou]] en [[París]]. A partir de 1990 se incrementó notablemente la invitación de artistas relacionados con la performance en importantes bienales de arte como la [[Bienal de Venecia]], la [[Bienal de Sao Paulo]] y la [[Bienal de Lyon]].

==== Performance en China ====
{{AP|Performance en China}}
A finales de 1990 se reconoció la importancia del [[arte contemporáneo]] y de la ''performance'' china a nivel internacional, al ser incluidos 19 artistas chinos en la [[Bienal de Venecia]].<ref>{{Cita libro|apellidos=Berghuis|nombre=Thomas J.|título=Performance Art in China|fecha=2006|editorial=Timezone 8|ubicación=Hong Kong|isbn=9889926598|página=52}}</ref><ref name="observer">{{cita noticia|autor=Cooper, Rafi|url=http://arts.guardian.co.uk/art/visualart/story/0,,2289411,00.html|título=Cultural revolutionary|obra=The Observer|ubicación=UK|fecha=6 de julio de 2008|fechaacceso=27 de mayo de 2020|urlarchivo=https://web.archive.org/web/20080709021959/http://arts.guardian.co.uk/art/visualart/story/0%2C%2C2289411%2C00.html|fechaarchivo=9 de julio de 2008|deadurl=no}}</ref> El arte ''performance'' en China y su historia ha crecido desde 1970 debido al interés entre arte, proceso y tradición de la cultura china, pero siendo conocido y con gran auge a partir de los 90.<ref name="Sin-nombre-p2tn-4">{{Cita publicación|url=https://yishu-online.com/browse-articles/?1008|título=Up Against the Wall: Contemporary Chinese Performance Art and the Great Wall|apellidos=Chan|nombre=Shing-Kwan|fecha=September 2019|publicación=Yishu: Journal of Contemporary Chinese Art|volumen=18|número=5|página=45}}</ref><ref>{{cite book|last1=Montano|first1=Linda M.|title=Performance artists talking in the eighties|publisher=University of California Press Berkeley|year=2000|location=Los Angeles, London|pages=479, 1|url=https://books.google.com/books?id=5Bl6wm-cV_oC&pg=PA479&dq=performance+art+1990s&ct=result#v=onepage&q=performance%20art&f=false|accessdate=31 de marzo de 2011|isbn=0-520-21022-0|enlaceautor=|editor=|página=|idioma=|capítulo=}}</ref> En China es parte de la educación en bellas artes y cada vez es más popular.<ref name="Sin-nombre-p2tn-4"/><ref>{{enlace roto|{{cita web|url=http://www.wolseleymedia.com.au/AP-Ai-Weiwei.html|título=Ai Weiwei|editorial=wolseleymedia.com.au|año=2008|fechaacceso=27 de mayo de 2020}}|http://www.wolseleymedia.com.au/AP-Ai-Weiwei.html|bot=InternetArchiveBot}}</ref> A principios de la década de 1990, el arte ''performance'' chino ya era aclamado en la escena artística internacional.<ref name="Sin-nombre-p2tn-4"/><ref>{{cita web|url=https://publicdelivery.org/he-yunchang/|título=He Yunchang, China|fechaacceso=27 de mayo de 2020|fecha=2014|editorial=Public Delivery}}</ref><ref>{{Cita web|url=https://aaa.org.hk/en/collection/search/archive/li-xianting-archive-concept-21-21/object/performance-by-concept-21-at-the-great-wall-21-192555|título=Performance by Concept 21 at the Great Wall|fechaacceso=27 de mayo de 2020|sitioweb=Asia Art Archive}}</ref>

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Archivo:Fitness culturel (Biennale 2013, Lyon) (10787512893).jpg|Performance en la [[Bienal de Lyon]]
File:Fitness culturel (Biennale 2013, Lyon) (10783977835).jpg|Performance en la [[Bienal de Lyon]]
File:Le pavillon de la Roumanie (55ème Biennale de Venise) (10168262204).jpg|Performance en la entrada del [[Pabellón de Rumania en la Bienal de Venecia]]
Archivo:Table with Accumulator Beuys Tate Modern AR00603.jpg|Instalación performativa de [[Joseph Beuys]] en la [[Tate Modern]] de [[Londres]]
Archivo:Re publica 2013 Tag 3 – Ai Weiwei (8735247120).jpg|Videoinstalación con el artista chino [[Ai Weiwei]]
Archivo:Documentation of Tehching Hsieh's project in NYC (1395277535).jpg|Exposición de [[Tehching Hsieh]] en el centro de [[Nueva York]]
Archivo:Chien-Chi Chang-China Town Venezia Biennale-2009.jpg|Pabellón de China en la [[Bienal de Venecia]]
Archivo:Wang Xiaoshuai-2120.jpg|Retrato de [[Wang Xiao-shuai]]
Archivo:Liu Xiaodong.jpg|Liu Xiaodong durante una performance
</gallery>

=== Desde los años 2000 ===
==== Performance New Media ====
[[Archivo:Einat Amir, Ideal Viewer, 2009.jpg|miniatura|''Performance'' relacionada con new media desarrollada en 2009]]
A finales de la década de 1990 y hasta la década de 2000, varios artistas incorporaron tecnologías como el vídeo digital, la [[World Wide Web|red]], [[Cámara web|cámaras web]], [[Red social|redes sociales]] y otros medios de transmisión digital en sus obras de arte ''performance''.<ref>Steve Dixon, ''Digital Performance: A History of New Media in Theater, Dance, Performance Art, and Installation'' (MIT Press, 2015), pp. 157ff. and pp. 457ff.</ref> Artistas como [[Coco Fusco]], ''Shu Lea Cheang'' y ''Prema Murthy'', produjeron ''performances'' que llamaron la atención sobre el papel del género, la raza, el colonialismo y el cuerpo en relación con internet.<ref>Kelly Dennis, “Gendered Ghosts in the Globalized Machine: Coco Fusco and Prema Murthy,” ''Paradoxa: International Feminist Art Journal'', Vol. 23 (2009), pp. 79-86. See separate chapters on Shu Lea Cheang and Prema Murthy in Mark Tribe and Reena Jana, ''New Media Art'' (Taschen, 2007).</ref> Otros artistas, como ''Critical Art Ensemble'', ''Electronic Disturbance Theater'' y [[The Yes Men|Yes Men]], utilizaron tecnologías digitales asociadas con el [[hacktivismo]] y el [[Arte urbano|intervencionismo]] para plantear cuestiones políticas relativas a las nuevas formas de capitalismo y consumismo.<ref>Nato Thompson (ed.), ''The Interventionists: Users' Manual for the Creative Disruption of Everyday Life'' (MIT Press, 2006), pp. 106ff, 117ff. See also the catalog for the 1998 Ars Electronica festival ''InfoWar'' (Springer, 1998).</ref>

En la segunda mitad de la década comenzaron a desarrollarse obras de ''performance'' asistida por ordenador.<ref>Anderson, Nate (2009), [https://arstechnica.com/web/news/2009/09/horrifically-bad-software-demos-become-performance-art.ars "Horrifically bad software demo becomes performance art"]</ref> Muchas de estas obras condujeron al desarrollo del [[arte algorítmico]], el [[arte generativo]] y el arte robótico, en el que el propio ordenador, o un robot controlado por ordenador, se convierte en el intérprete.<ref>{{cite web|url=https://www.mdpi.com/2076-0752/8/2/67|author=LaViers, Amy|date=23 May 2019|title=Ideal Mechanization: Exploring the Machine Metaphor through Theory and Performance|publisher=Arts|accessdate=23 de junio de 2019}}</ref>

[[Coco Fusco]] es una artista interdisciplinaria, escritora y curadora cubano-americana que vive y trabaja en Estados Unidos. Comenzó su carrera artística en 1988. Dentro de su obra, explora temas que se relacionan con la identidad, raza, género y poder a través del peformance. También realiza videos, instalaciones interactivas y escritura crítica.<ref>{{Cita web|url=https://proyectoidis.org/cocofusco/|título=Coco Fusco {{!}} IDIS|fechaacceso=14 de mayo de 2020|idioma=en-US}}</ref><ref name=":25">{{Cita libro|edición=Second edition|título=Performance: a critical introduction|url=https://www.worldcat.org/oclc/865578914|fechaacceso=14 de mayo de 2020|isbn=978-1-136-49872-5|oclc=865578914|apellidos=Carlson, Marvin, 1935-}}</ref>
[[Archivo:Пётр Павленский.jpg|izquierda|miniatura|[[Piotr Pavlenski]] cortándose una oreja en una acción política en la [[Plaza Roja]] de [[Moscú]]]]
[[Archivo:Pussy Riot protest.jpg|izquierda|miniatura|Protesta para la liberación de las [[Pussy Riot]]]]
[[Archivo:TVP & Pussy Riot in Santa Fe, NM.jpg|izquierda|miniatura|[[Pussy Riot]] dialogando durante una ''performance'' con [[Tania Bruguera]]]]
[[Archivo:ArtistIsPresent.jpg|izquierda|miniatura|[[Marina Abramović]] interpretando ''The Artist Is Present'', [[MoMA|Museo de Arte Moderno]], Nueva York, 2010]]
==== Performance radical ====
Durante la primera y segunda década de los años 2000, varios artistas son perseguidos, judicializados, detenidos o apresados por sus obras de contenido político. Artistas como [[Pussy Riot]], [[Tania Bruguera]] o [[Piotr Pavlenski]] son juzgados por diferentes acciones artísticas creadas desde la intencionalidad de denuncia y visibilización.<ref>{{cita noticia|apellidos1=Blanco Alcalde|nombre1=Daniel|título=Artistas disidentes en el punto de mira|url=http://revistamito.com/artistas-disidentes-en-el-punto-de-mira/|fechaacceso=15 de mayo de 2020|obra=Revista Mito|fecha=28 de febrero de 2015|fechaarchivo=9 de junio de 2020|urlarchivo=https://web.archive.org/web/20200609163638/http://revistamito.com/artistas-disidentes-en-el-punto-de-mira/|deadurl=yes}}</ref>

El 21 de febrero de 2012, como parte de su protesta contra la reelección de [[Vladímir Putin]], varias mujeres del colectivo artístico [[Pussy Riot]] entraron en la [[Catedral de Cristo Salvador de Moscú]] de la [[Iglesia ortodoxa rusa]]. Realizaron la señal de la cruz, reverencia ante el altar, y empezaron a interpretar una ''performance'' compuesta por una canción y una danza bajo el lema ''Madre de Dios, ¡Fuera Putin!''. El 3 de marzo del mismo año fueron detenidas.<ref>{{cita web |autor=Mark Feigin |url=http://rusnovosti.ru/guests/interviews/163402/198518/ |título=Интервью &#124; Гости &#124; Русская служба новостей |editorial=Rusnovosti.ru |fecha=19 de abril de 2012 |idioma=ruso |fechaacceso=16 de mayo de 2020 |urlarchivo=https://web.archive.org/web/20131029195339/http://rusnovosti.ru/guests/interviews/163402/198518/ |fechaarchivo=29 de octubre de 2013 }}</ref> El 3 de marzo de 2012, [[María Aliójina]] y [[Nadezhda Tolokónnikova]], dos miembros de Pussy Riot, fueron arrestadas por las autoridades rusas y acusadas de [[vandalismo]]. Al principio, ambas negaron ser miembros del grupo e iniciaron una huelga de hambre en protesta por ser encarceladas y apartadas de sus hijos hasta el inicio del juicio en abril.<ref>{{cita noticia| url= http://www.theweek.co.uk/russia/russia-election/45722/russian-punk-band-pussy-riot-go-hunger-strike-moscow| título= Russian punk band Pussy Riot go on hunger strike in Moscow| newspaper= [[The Week]]| fecha= 6 de marzo de 2012| fechaacceso= 5 de junio de 2020| fechaarchivo= 15 de enero de 2015| urlarchivo= https://web.archive.org/web/20150115192226/http://www.theweek.co.uk/russia/russia-election/45722/russian-punk-band-pussy-riot-go-hunger-strike-moscow| deadurl= yes}}</ref> El 16 de marzo otra mujer, Yekaterina Samutsévitch, que había sido antes interrogada como testigo del caso, fue igualmente arrestada y acusada.<ref>{{cita noticia|url= http://rt.com/news/prime-time/third-member-pussy-riot-765/|título= Third member of 'Pussy Riot' charged over punk prayer |fecha= 16 de marzo de 2012|editorial=RT|fechaacceso=8 de agosto de 2012}}</ref> El 4 de julio se presentaron contra el grupo cargos formales y un escrito de acusación de 2800 páginas.<ref>{{cita web |url=http://www.rosbalt.ru/moscow/2012/06/04/988527.html |título=Участниц Pussy Riot официально обвинили в хулиганстве по мотивам религиозной ненависти |idioma=ruso |fecha=4 de junio de 2012 |editorial=rosbalt.ru |fechaacceso=5 de junio de 2020}}</ref> Ese mismo día se les notificó que tenían de plazo para preparar su defensa hasta el 9 de julio. En respuesta, anunciaron una huelga de hambre alegando que dos días laborables era un plazo de tiempo inapropiado para preparar su defensa.<ref>{{cita web
|url=http://www.themoscowtimes.com/news/article/pussy-riot-suspects-go-on-hunger-strike/461594.html |título=Pussy Riot Suspects Go on Hunger Strike |autor=Jonathan Earle |fecha=4 de julio de 2012 |obra=The Moscow Times |fechaacceso=5 de junio de 2020}}</ref> El 21 de julio el tribunal amplió su prisión preventiva durante seis meses más.<ref>{{cita web |url=http://in.reuters.com/article/2012/07/20/russia-pussyriot-trial-idINL6E8IKGPU20120720 |autor=Gabriela Baczynska |título=Russia extends jailing of Pussy Riot activists |fecha=21 de julio de 2012 |editorial=Reuters |fechaacceso=5 de junio de 2020 |fechaarchivo=15 de octubre de 2012 |urlarchivo=https://web.archive.org/web/20121015040222/http://in.reuters.com/article/2012/07/20/russia-pussyriot-trial-idINL6E8IKGPU20120720 |deadurl=yes }}</ref> Las tres miembros detenidas de Pussy Riot son reconocidas como presas políticas por la Union of Solidarity with Political Prisoners.<ref><span class="plainlinks">{{cita noticia | url= http://www.rosbalt.ru/moscow/2012/03/25/961247.html| idioma= ruso | título= Троих предполагаемых участниц Pussy Riot признали политзаключенными | trans_title= Three of the alleged participants of Pussy Riot recognized as political prisoners | newspaper= Росбалт | fecha= 25 de marzo de 2012}} [http://translate.google.com/translate?sl=ru&u=http://www.rosbalt.ru/moscow/2012/03/25/961247.html Google translation.]</span></ref> [[Amnistía Internacional]] las considera presas de conciencia por «la severidad de la respuesta de las autoridades rusas».<ref>{{cita web |url=http://www.amnesty.org/en/library/asset/EUR46/014/2012/en/c9edb950-30b6-4b90-a4d3-ddf8b97bc4c3/eur460142012en.html |título=Russia: Release punk singers held after performance in church |fecha=3 de abril de 2012 |editorial=Amnesty International |fechaacceso=5 de junio de 2020|urlarchivo=https://web.archive.org/web/20120406144732/http://www.amnesty.org/en/library/asset/EUR46/014/2012/en/c9edb950-30b6-4b90-a4d3-ddf8b97bc4c3/eur460142012en.html |fechaarchivo=6 de abril de 2012 }}</ref>

En diciembre de 2014 [[Tania Bruguera]] fue detenida en [[La Habana]] para evitar que realizara nuevas obras reivindicativas. Sus ''performances'' le han valido duras críticas, incluso ha sido acusada de promover resistencia y desorden público.<ref>{{cita noticia|apellidos1=Espejo|nombre1=Bea|título=Tania Brugera: «Cuba favorece hoy un arte fácil y superficial»|url=http://www.elcultural.com/revista/especial/Tania-Brugera-Cuba-favorece-hoy-un-arte-facil-y-superficial/35905|fechaacceso=16 de mayo de 2020|obra=El Cultural|fecha=6 de febrero de 2015}}</ref><ref>{{cita web |url=http://www.bbc.co.uk/mundo/noticias/2015/01/150101_perfil_tania_bruguera_ig |título=Tania Bruguera, la artista que desafía al gobierno de Cuba |fechaacceso=16 de mayo de 2020 |autor=BBC |fecha=2 de enero de 2015 }}</ref> En diciembre de 2015 y enero del 2016, Bruguera estuvo detenida por haber organizado un performance público en la [[Plaza de la Revolución]] de La Habana. Fue detenida con otros artistas, activistas y periodistas cubanos que participaron en la campaña ''Yo También Exijo'', la cual se creó luego de las declaraciones de [[Raúl Castro]] y [[Barack Obama]] a favor de restaurar relaciones diplomáticas. Durante el performance ''El Susurro de Tatlin #6'' puso un micrófono y parlantes en la Plaza de la Revolución para que los cubanos pudieran expresar sus sentimientos con respecto a este nuevo clima político. El evento tuvo alta repercusión el los medios a nivel internacional, incluyendo una presentación del ''Susurro de Tatlin #6'' en [[Times Square]], y una acción donde varios artistas e intelectuales se expresaron a favor de la liberación de Bruguera enviando una carta abierta a Raúl Castro firmada por miles de personas alrededor del mundo pidiendo que la devolución de su pasaporte y reclamando la injusticia penal, ya que ella simplemente le dio un micrófono a la gente para que diera su opinión.<ref name="Sin-nombre-p2tn-3" /><ref>{{cita web|url=http://hemisphericinstitute.org/hemi/es/enc09-performances/item/52-09-tania-bruguera|título=Tania Bruguera|fechaacceso=5 de junio de 2020|autor=Hemispheric Institute|fecha=2009|urlarchivo=https://web.archive.org/web/20161005124055/http://hemisphericinstitute.org/hemi/es/enc09-performances/item/52-09-tania-bruguera|fechaarchivo=5 de octubre de 2016}}</ref><ref>{{cita web|url=http://www.taniabruguera.com/cms/608-0-GLOSSARY.htm|título=Glosario|fechaacceso=14 de noviembre de 2014|autor=Tania Bruguera|fechaarchivo=1 de diciembre de 2014|urlarchivo=https://web.archive.org/web/20141201184347/http://www.taniabruguera.com/cms/608-0-GLOSSARY.htm|urlmuerta=sí}}</ref><ref>{{Cita libro|apellidos=Pinto|nombre=Roberto|título=Ejercicio de Resistencia Tania Bruguera|fechaacceso=5 de unio de 2020|año=2003|editorial=Torino|ubicación=Turín, Italia|página=25|idioma=italiano}}</ref><ref>{{Cita libro|apellidos=Corral|nombre=María|título=Tania Bruguera|año=2005|isbn=0-9769449-0-1|editor=Vivian Lechuga|ubicación=Chicago, Illinois|página=8}}</ref>

En noviembre de 2015 y octubre de 2017 [[Piotr Pavlenski]] fue detenido por realizar una ''performance'' radical consistente en incendiar, en primer lugar la entrada del Edificio [[Lubianka]], sede del [[Servicio Federal de Seguridad]] de [[Rusia]], y en segundo lugar una sucursal del Banco Nacional de Francia.<ref>{{cita noticia|título=Russian Artist Pyotr Pavlensky Sentenced over Paris Bank Fire|url=https://www.artforum.com/news/russian-artist-pyotr-pavlensky-sentenced-over-paris-bank-fire-78313|fechaacceso=16 de mayo de 2020|obra=ArtForum|fecha=15 de enero de 2019}}</ref> En ambas ocasiones roció la puerta principal con gasolina, en la segunda ''performance'' también el interior, y le prendió fuego con un mechero. Las puertas del edificio se quemaron parcialmente. En ambas acciones Pavlenski fue detenido después sin resistencia, y acusado de libertinaje. Unas cuantas horas después de las acciones, aparecieron videos en internet con una reivindicación artística y política.<ref>{{cita web|apellidos1=Jones|nombre1=Jonathan|título=Pyotr Pavlensky is setting Russia's evil history ablaze|url=http://www.theguardian.com/artanddesign/jonathanjonesblog/2015/nov/09/pyotr-pavlensky-is-setting-russias-evil-history-ablaze|obra=The Guardian|idioma=en|fecha=9 de noviembre de 2015|fechaacceso=24 de febrero de 2020}}</ref>

[[Archivo:Detail of Facade of Guggenheim Museum with Yoko Ono Banner - Bilbao - Biscay - Spain (14434764509).jpg|miniatura|Fachada del [[Museo Guggenheim Bilbao]] con la imagen de la exposición retrospectiva dedicada a [[Yoko Ono]]]]
==== Institucionalización del arte performance ====
Desde los años 2000, grandes museos, instituciones y colecciones apuestan por el arte ''performance''. Desde enero de 2003, la [[Tate Modern]] de Londres tiene un programa de arte y ''performance''.<ref>{{cita noticia|título=Tate Modern Performance. BMW Tate Live|url=https://revistalupita.art/expo/tate-modern-performance-bmw-tate-live/|fechaacceso=11 de mayo de 2020|obra=Lupita. Arte de América Latina en Europa|fecha=2016}}</ref> Con exposiciones de artistas como [[Tania Bruguera]] o Anne Imhof.<ref>{{cita web|apellidos1=Tate|nombre1=Modern|título=Anne Imnhof: Sex|url=https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/performance/bmw-tate-live|editorial=Tate Modern|idioma=Inglés|fecha=2019|fechaacceso=13 de mayo de 2020}}</ref> En 2012 se inauguraron The Tanks at Tate Modern: los primeros espacios dedicados a la ''performance'', el cine y la [[Instalación (arte)|instalación]] en un importante museo de arte moderno y contemporáneo.

El [[MoMA|Museo de Arte Moderno de Nueva York]] realizó una importante muestra retrospectiva de la obra de la artista serbia [[Marina Abramović]], la mayor exposición de arte ''performance'' de la historia del MoMA, del 14 de marzo al 31 de mayo de 2010.<ref>Kino, Carol (10 de marzo de 2010). [https://www.nytimes.com/2010/03/14/arts/design/14performance.html?pagewanted=all A Rebel Form Gains Favor. Fights Ensue.], ''[[The New York Times]]''. Consultado el 16 de abril de 2010.</ref><ref>{{cita noticia|título=Marina Abramovic: Performance y Polémica en el Moma|url=https://www.revistaarcadia.com/arte/articulo/marina-abramovic-performance-polemica-moma/21948|fechaacceso=11 de mayo de 2020|obra=Revista Arcadia|fecha=30 de marzo de 2010}}</ref> La exposición estaba conformada por más de veinte piezas de la artista, desarrolladas en su mayor parte entre 1960 y 1980. Muchas de las obras fueron reactivadas por otros artistas jóvenes de múltiples nacionalidades seleccionados para la muestra.<ref>{{cita noticia|apellidos1=Cotter|nombre1=Holland|título=700-Hour Silent Opera Reaches Finale at MoMA|url=https://www.nytimes.com/2010/05/31/arts/design/31diva.html|fechaacceso=11 de mayo de 2020|obra=New York Times|fecha=30 de mayo de 2010}}</ref> De forma paralela a la exposición, Abramović interpretó la obra ''La artista está presente'' (''The Artist is Present'' en inglés'')'', una pieza estática y silenciosa de 736 horas y 30 minutos, en la que su cuerpo permanecía sentado e inmóvil en el atrio del museo, invitando a los espectadores a sentarse frente a ella.<ref>{{cite news|url=http://www.huffingtonpost.com/yazmany-arboleda/bringing-marina-flowers_b_592597.html|title=SBringing Marina Flowers|last=Arboleda|first=Yazmany|authorlink=Yazmany Arboleda|date=28 de mayo de 2010|newspaper=The Huffington Post|accessdate=16 de junio de 2010|archiveurl=https://web.archive.org/web/20110822174846/http://www.huffingtonpost.com/yazmany-arboleda/bringing-marina-flowers_b_592597.html|archivedate=22 de agosto de 2011|url-status=|apellidos=|nombre=|periódico=|ubicación=|página=|número=}}</ref> La obra es una reproducción actualizada de una de las piezas de 1970, mostradas en la exposición, donde Abramović permanecía sentada durante jornadas completas junto al que era, por entonces su compañero sentimental, [[Ulay]]. La performance atrajo a rostros conocidos como [[Björk]], [[Orlando Bloom]] y [[James Franco]]<ref>{{cita noticia|apellidos1=Bell|nombre1=Christopher|título=Review: ‘Marina Abramović: The Artist Is Present’ Is A Good But Conventional Doc On An Unconventional Artist|url=https://www.indiewire.com/2012/06/review-marina-abramovic-the-artist-is-present-is-a-good-but-conventional-doc-on-an-unconventional-artist-109309/|fechaacceso=11 de mayo de 2020|obra=IndieWire|fecha=14 de junio de 2012}}</ref> que participaron en la misma y obtuvo gran repercusión en los medios.<ref>[http://thoughtcatalog.com/2010/marina-abramovic-the-staring-woman-at-moma/ thoughtcatalog.com/2010/marina-abramovic]</ref>

El [[Museo de Arte Moderno de Bogotá]] también dedicó muestras expositivas con la artista colombiana María José Arjona, o a la artista mexicana [[Teresa Margolles]].<ref>{{cita web|título=Estorbo - Teresa Margolles|url=https://www.mambogota.com/exposicion/estorbo/|editorial=Museo de Arte Moderno de Bogotá|fecha=21 de marzo de 2019|fechaacceso=5 de junio de 2020}}</ref><ref>{{cita web|título=Hay que saberse infinto - Maria José Arjona|url=https://www.mambogota.com/exposicion/hay-que-saberse-infinito/|editorial=Museo de Arte Moderno de Bogotá|fecha=10 de marzo de 2018|fechaacceso=5 de junio de 2020}}</ref>

<gallery mode="packed">
Archivo:Shibboleth - Tate Modern 2007.jpg|Obra de [[Doris Salcedo]] en la [[Tate Modern]] de [[Londres]]
Archivo:Marina 1 1.jpg|[[Marina Abramović]] durante sus siete performance en ''Seven Easy Pieces'' (2005), en el [[Museo Solomon R. Guggenheim]]
Archivo:Marina Abramović, The Artist Is Present, 2010Marina Abramović, The Artist Is Present, 2010 (4422516908).jpg|Plano cenital de la performance ''La artista está presente'' en el [[Museo de Arte Moderno de Nueva York]]
Archivo:Inauguración de la exposición "Los Padres" del artista Abel Azcona en Madrid - 1.jpg|Obra [[Los padres]] en la exposición retrospectiva dedicada al artista en el [[Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá]]
Archivo:128 aktion 22.10.09 613.jpg|[[Hermann Nitsch]] realizando una performance en su museo homónino (2009)
Archivo:Fleeting-glimpse-bryan-zanisnik.jpg|Performance de Bryan Zanisnik, de nombre ''When I Was a Child I Caught a Fleeting Glimpse'', 2009
Archivo:Muestra Yoko Ono- Quito4.jpg|Exposición dedicada a [[Yoko Ono]] en el Centro Cultural Metropolitano de [[Quito]] (2018)
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==== Performance de reivindicación colectiva ====
[[Archivo:Un violador en tu camino - ensayo en la Alameda Central de la Ciudad de México.jpg|miniatura|''[[Un violador en tu camino]]'' en la Alameda Central de la [[Ciudad de México]]]]
En 2014 nace la performance ''Carry That Weight'', también conocida como "la performance del colchón". Es una obra creada por la artista [[Emma Sulkowicz]] durante su tesis final en el grado de [[artes visuales]] en la [[Columbia University]] en la ciudad de [[Nueva York]]. En septiembre de 2014, comenzó la pieza con Sulkowicz portando su propio colchón por todo el campus de la [[Universidad de Columbia]].<ref>{{Cite news|url=https://www.thecut.com/2019/10/did-emma-sulkowicz-mattress-performance-get-redpilled.html|title=Did Emma Sulkowicz Get Redpilled? At the very least, she's found a new social set.|author=Sylvie McNamara|date=28 de octubre de 2019|work=The Cut|access-date=21 de febrero de 2020|language=en}}</ref> La obra es creada por la artista con el fin de denunciar su propia violación en ese mismo colchón años antes, en su propio dormitorio. Situación que fue denunciada pero no fue escuchada ni por la justicia ni por la universidad.<ref name=ignore>{{cite news | url=https://www.washingtonpost.com/news/morning-mix/wp/2014/10/29/its-hard-to-ignore-a-woman-toting-a-mattress-everywhere-she-goes-which-is-why-emma-sulkowicz-is-still-doing-it/ | title=It's hard to ignore a woman toting a mattress everywhere she goes, which is why Emma Sulkowicz is still doing it | work=The Washington Post | date=29 de octubre de 2014| author=Soraya Nadia McDonald}}</ref> Por lo que Sulkowicz llevó consigo misma el colchón durante todo el semestre, sin separarse en ninguna ocasión, hasta la ceremonia de graduación en mayo de 2015. La obra creó gran controversia, pero fue apoyada por multitud de compañeros y activistas que acompañaron a Sulkowicz llevando el colchón en multitud de ocasiones, convirtiendo la obra en una reivindicación internacional. El crítico de arte ''Jerry Saltz'' consideró la obra una de las más importantes del año 2014.

[[Archivo:España os pide perdón.jpg|izquierda|miniatura|[[España os pide perdón]] de [[Abel Azcona]] en [[La Habana]]]]
En mayo de 2020 el [[Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá]] pintó su fachada con la instalación del mismo lema ''España os pide perdón'' durante dos meses en el centro de la ciudad de [[Bogotá]].<ref>{{cita noticia|título=Abel Azcona: El Glamour de la locura|url=https://impasse.es/abel-azcona-el-glamour-de-la-locura-2/|fechaacceso=10 de junio de 2020|obra=Impasse Magazine|fecha=Marzo de 2019|fechaarchivo=13 de septiembre de 2022|urlarchivo=https://web.archive.org/web/20220913035321/https://impasse.es/abel-azcona-el-glamour-de-la-locura-2/|deadurl=yes}}</ref> Otras ciudades como [[La Habana]], [[Cuba]];<ref>{{cita noticia|apellidos1=Hernández Busto|nombre1=Ernesto|título=La Habana se llena de carteles donde se lee “España os pide perdón”|url=https://www.cibercuba.com/noticias/2020-05-31-u200807-e200807-s27061-habana-llena-carteles-donde-lee-espana-os-pide-perdon|fechaacceso=10 de junio de 2020|obra=Cibercuba|fecha=31 de mayo de 2020}}</ref> [[Lima]], [[Perú]]; [[Caracas]], [[Venezuela]]; [[Ciudad de Panamá]], [[Panamá]]; [[Tegucigalpa]], [[Honduras]] o [[Quito]], [[Ecuador]] han sido protagonistas de la pieza, mediante instalaciones de pintura, lonas, carteles o manifestaciones y actos colectivos continuando la obra como protesta colectiva.<ref>{{cita noticia|título=Obras del artista español Abel Azcona "España pide perdón"|url=https://www.radiotelevisionmarti.com/a/obras-del-artista-español-abel-azcona-españa-pide-perdón-/266338.html|fechaacceso=10 de junio de 2020|obra=Radio Televisión Martí|fecha=3 de junio de 2020}}</ref>

En 2019 nació ''[[Un violador en tu camino]]'', ''performance'' colectiva de [[Manifestación|protesta]] creada por un colectivo [[Feminismo|feminista]] de [[Valparaíso]] ([[Chile]]), denominado [[Lastesis]], con el objetivo de manifestarse en contra las violaciones a los [[Emancipación de la mujer|derechos de las mujeres]] en el contexto de las [[Protestas en Chile de 2019|protestas que se realizan en ese país]] durante 2019.<ref name=":23">{{Cita web|url=https://verne.elpais.com/verne/2019/11/28/mexico/1574902455_578060.html|título=Ellas son las chilenas que crearon ‘Un violador en tu camino’|fechaacceso=30 de noviembre de 2019|apellido=Rodríguez|nombre=Darinka|fecha=28 de noviembre de 2019|sitioweb=Verne}}</ref><ref>{{Cita web|url=https://cnnespanol.cnn.com/video/violador-camino-feministas-musica-protestas-willy-arteaga-cacerolazo-sinfonico-pkg-digital-original/|título=Las protestas virales al ritmo de la música|fechaacceso=30 de noviembre de 2019|autor=Daniela Patiño|fecha=30 de noviembre de 2019|sitioweb=CNN}}</ref><ref name=":22">{{Cita noticia|título="El violador eres tú": el potente himno feminista nacido en Chile que da la vuelta al mundo|url=https://www.bbc.com/mundo/noticias-america-latina-50610467|fecha=30 de noviembre de 2019|fechaacceso=30 de noviembre de 2019|apellidos=|nombre=|periódico=|ubicación=|página=|número=|autor=BBC}}</ref> Fue interpretado por primera vez frente a la Segunda Comisaría de [[Carabineros de Chile]] en [[Valparaíso]] el 18 de noviembre de 2019.<ref name=":77">{{Cita web|url=https://redgol.cl/tiempolibre/Las-Tesis-Intervencion-viralizada-del-colectivo-feminista-se-expande-por-Chile-y-el-mundo-20191129-0042.html|título=Las Tesis: Intervención viralizada del colectivo feminista se expande por Chile y el mundo|fechaacceso=5 de junio de 2020|sitioweb=RedGol}}</ref> Una segunda interpretación hecha por 2000 mujeres chilenas el 25 de noviembre de 2019 como parte del [[Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer]] fue grabada en video y viralizada en redes sociales.<ref name=":88">{{Cita web|url=https://larepublica.pe/mundo/2019/11/27/chile-colectivo-lastesis-el-violador-eres-tu-el-performance-contra-la-violencia-de-genero/|título=“Un violador en tu camino”, el canto viral de un colectivo feminista chileno contra la violencia de género|fechaacceso=5 de junio de 2020|fecha=28 de noviembre de 2019|sitioweb=La República}}</ref> Su alcance se hizo mundial<ref name=":0633">{{Cita web|url=https://www.excelsior.com.mx/global/el-mundo-se-une-al-grito-de-un-violador-en-tu-camino-asi-las-protestas/1350502|título=El mundo se une al grito de 'Un violador en tu camino'; así las protestas|fechaacceso=5 de junio de 2020|fecha=30 de noviembre de 2019|sitioweb=Excélsior}}</ref><ref name=":8">{{Cita web|url=https://www.lavanguardia.com/vida/20191130/471961599764/un-violador-en-tu-camino-chile-las-tesis-mexico-feministas.html|título=El cántico chileno de 'Un violador en tu camino' retumba en todo el mundo|fechaacceso=5 de junio de 2020|fecha=30 de noviembre de 2019|sitioweb=La Vanguardia}}</ref> luego de que movimientos feministas en decenas de países adoptaron y tradujeron la performance para acompañar sus protestas y reivindicar demandas locales por el cese y castigo de [[feminicidio]]s y [[violencia sexual]], entre otras.<ref name=":59">{{Cita web|url=https://www.cnnchile.com/mundo/un-violador-en-tu-camino-lastesis-videos-mundo_20191129/|título=“Un violador en tu camino”: Himno feminista de Lastesis es interpretado en todo Chile, América Latina y Europa|fechaacceso=5 de junio de 2020|sitioweb=CNN Chile}}</ref>

<gallery mode="packed">
Archivo:Emma Sulkowicz, Mattress Performance, 19 May 2015 (cropped).JPG|''Compañeras de ''Sulkowicz'' y la propia artista portando el colchón hasta la graduación como forma de denuncia
Archivo:Mattress Performance rules of engagement.jpg|Emma Sulkowicz con las instrucciones de su performance en la [[Universidad de Columbia]]
Archivo:Mattress Performance (Carry That Weight), 10 September 2014.jpg|Parte de la performance de Sulkowicz, una de las acciones llamada "Llevemos el peso entre todas"
Archivo:Emma Sulkowicz, 14 December 2014.jpg|Retrato de Sulkowicz en una de las presentaciones de la obra
Archivo:Un violador en tu camino, performance Oaxaca 2019.jpg|Interpretación [[México|mexicana]] de ''«Un violador en tu camino»'' en [[Oaxaca]], el 27 de noviembre de 2019
Archivo:Un violador en tu camino Lima, Perú.png|Interpretación [[Perú|peruana]] de [[Un violador en tu camino]] en [[Lima]], el 2 de diciembre de 2019
Archivo:Estado violador.jpg|''«Un violador en tu camino»'' se presentó en el contexto de las [[protestas en Chile de 2019]]
Archivo:"el violador eres tú".jpg|Una niña interviene durante la performance [[Un violador en tu camino]]
</gallery>

== Los artistas más famosos ==
Artistas citados al menos en el índice de ''*Performance from Futurism to the Present Day*'', de {{Enlace interlingüístico|Roselee Goldberg|en|Roselee Goldberg}} .
{{Lista de columnas|* [[Marina Abramović]]
* [[Vito Acconci]]
* [[Abel Azcona]]
* [[Chris Burden]]
* [[John Cage]] 
* [[George Maciunas]] (iniciador del movimiento [[Fluxus]])<ref>''Der Traum von Fluxus''. George Maciunas: Eine Künstlerbiographie. Thomas Kellein, Walther König, 2007. {{ISBN|978-3-8656-0228-2}}.</ref>
* [[Joseph Beuys]] ({{lang|en|''Coyote : I like America and America likes me''}})
* [[George Brecht]] (creador de [[Event]]s)
* [[COUM Transmissions]]
* [[Danny Devos]] 
* [[Valie Export]] 
* [[Yves Klein]] (''Anthropométries'')
* [[Allan Kaprow]]
* [[Charlotte Moorman]] (Happening, Fluxus, Arte corporal)
* [[Otto Muehl]] ([[accionismo vienés]])
* [[Hermann Nitsch]] ([[accionismo vienés]])
* [[Yoko Ono]] (Fluxus)
* [[Nam June Paik]]
* [[Gina Pane]]
* [[Gian Carlo Riccardi]]
* [[Carolee Schneemann]] (Arte corporal)
* [[Wolf Vostell]] ({{lang|en|[[Happening]]}}, Fluxus)
* [[Gilbert et George]] (duo criticando la sociedad inglesa y la religión)
* [[Deborah De Robertis]]
* [[Ulay]]
* [[Paul McCarthy]]}}
<references />
== Véase también ==
{{lista de columnas|3|
* [[Arte conceptual]]
* [[Fluxus]]
* ''[[Happening]]''
* [[Arte corporal]]
* [[Arte abyecto]]
* [[Performance en China]]
* [[Clasificación de las artes]]
* ''[[Flashmob]]''
* [[Estatua viviente]]
* [[Arte de los nuevos medios]]
* ''[[Noise]]''
* [[Slam (poesía)|Slam]]
* [[Radioteatro]]
* [[Arte de acción]]
* [[Acción directa]]
* [[Videoarte]]
* ''[[Tableau vivant]]''
}}

== Referencias ==
{{listaref|4}}

== Bibliografía ==
{{refcomienza|3}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Atkins}}|nombre1=Robert|título=ArtSpeak: A Guide to Contemporary Ideas, Movements, and Buzzwords, 1945 to the present.|editorial=Abbeville Press|isbn=978-0789211514}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Azcona}}|nombre= Abel|título=Teoría del performance art|fecha=2018|editorial=Museo Roca Umbert}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Bäckstrom}}|nombre1=Per|título=Performing the Poem. The Cross-Aesthetic Art of the Nordic Ne-Avant-Garde|fecha=2009|editorial=Departamento de Lengua y Literatura Finlandesa, Universidad de Helsinki}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Bäckström}}|nombre1=Per|título=The Angel of History. Literature, History and Culture|fecha=2009|editorial=Departamento de Lengua y Literatura Finlandesa, Universidad de Helsinki}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Bäckström}}|nombre1=Per|título=Kisses Sweeter than Wine. The Swedish Neo-Avant Garde in New York.|fecha=2017|editorial=Migrations, Transfers and Resemantization. Artlas Bulletin, Vol.6|url=https://docs.lib.purdue.edu/artlas/vol6/iss2/9/}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Bäckström}}|nombre1=Per|título=The Intermedial Cluster|fecha=2015|editorial=Acta Universitatis Sapientiae, Series Film & Media Studies, de Gruyter, no.10|url=http://www.acta.sapientia.ro/acta-film/C10/film10_03.pdf}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Bäckström}}|nombre1=Per|título=The Trumpet in the Bottom|fecha=2017|editorial=Edda|url=https://www.idunn.no/edda/2017/02/the_trumpet_in_the_bottom}}
* {{cita libro|título=Beuys, Brock, Vostell: Aktion, Demonstration, Partizipation, 1949-1983|fecha=2014|editorial=ZKM Zentrum für Kunst und Medientechnologie|isbn=978-3-7757-3864-4}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Battcock}}|nombre1=Gregory|apellidos2={{versalita|Nickas}}|nombre2=Robert|título=The Art of Performance: A Critical Anthology|url=https://archive.org/details/artofperformance0000unse|fecha=1984|editorial=E.P. Dutton|ubicación=Nueva York|isbn=0-525-48039-0}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Beck}}|nombre= Julian|título=El Living Theatre|fecha=1997|editorial=Fundamentos|ubicación=Madrid}}
* {{Cita libro |apellidos= {{versalita|Cano Martínez}} |nombre= Maria Jesús|título= Escondido tras la piel: representaciones y afrontamientos del dolor y el sufrimiento desde el arte de acción (Tesis Doctoral)|url= http://digibug.ugr.es/handle/10481/52552|año= 2018 |editorial= [[Universidad de Granada]]|isbn= 9788491639541}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Carlson}}|nombre1=Marvin|título=Performance: A Critical Introduction.|fecha=1996|editorial=Routledge|ubicación=Londres y Nueva York|isbn=0-415-13702-0}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Carr}}|nombre1=C.|título=On Edge: Performance at the End of the Twentieth Century|fecha=1993|editorial=Wesleyan University Press|isbn=0-8195-5267-4}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Dempsey}}|nombre1=Amy|título=Estilos, Escuelas y Movimientos|url=https://archive.org/details/estilosescuelasy0000amyd_f3p3|fecha=2008|editorial=Blume|ubicación=Barcelona|isbn=978-84-9801-339-9}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Dreher}}|nombre1=Thomas|título=Performance Art nach 1945. Aktionstheater und Intermedia.|fecha=2001|editorial=München: Wilhelm Fink|isbn=3-7705-3452-2}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Fischer-Lichte}}|nombre1=Erika|título=Ästhetik des Performativen|fecha=2004|editorial=Frankfurt: edition suhrkamp|isbn=3-518-12373-4}}
* {{cita libro |apellidos1={{versalita|Fischer-Lichte}} |nombre1=Erika |título=The Transformative Power of Performance: A New Aesthetics |año= 2015| editorial=Routledge |ubicación= Nueva York Y Londres |isbn=978-0415458566}}.
* {{cita libro |apellidos1={{versalita|Fischer-Lichte}} |nombre1=Erika |apellidos2=Arjomand |nombre2=Minou |título=The Routledge Introduction to Theatre and Performance Studies |año= 2014|editorial=Routledge |ubicación= Nueva York |isbn=978-0-415-50420-1}}.
* {{cita libro |apellidos1={{versalita|Fischer-Lichte}} |nombre1=Erika |apellidos2=Wihstutz |nombre2=Benjamin |título=Transformative Aesthetics | año= 2018 |editorial=Routledge |ubicación= Oxon y Nueva York |isbn=978-1-138-05717-3}}.
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Goldberg}}|nombre1=Roselee|título=Performance: Live Art Since 1960|url=https://archive.org/details/performancelivea0000gold_b3f6|fecha=1998|editorial=Harry N. Abrams|ubicación=Nueva York|isbn=978-0-8109-4360-5}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Goldberg}}|nombre1=Roselee|título=Performance Art: From Futurism to the Present|año=2011|url=https://archive.org/details/performanceartfr0000gold|editorial=World of Art. Thames & Hudson.|isbn=978-0500204047}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Gómez-Peña}}|nombre1=Guillermo|título=Ethno-techno: Writings on performance, activism and pedagogy|editorial=Routledge|ubicación=Londres|isbn=0-415-36248-2}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|González Iglesias}}|nombre1= Juan Antonio|título=El Arte Poética y otras líneas anticlásicas de la cultura contemporánea|fecha=2016|editorial=[[Universidad de Valladolid]]|issn= 0213-9634}}
* {{cita libro|apellidos={{versalita|González Viñas}}|nombre= Fernando|apellidos2= {{versalita|Lázaro}}|nombre2= José|año=2017|título=El Ángel Dadá. Venturas y Desventuras de Emmy Ball-Hennings, creadora del Cabaret Voltaire|ubicación= Sevilla|editorial= El Paseo Editorial|isbn=978-84-947404-2-8}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Jones}}|nombre1=Amelia|apellidos2={{versalita|Heathfield}}|nombre2=Adrian|título=Perform, Repeat, Record. Live Art in History|editorial=Intellect|ubicación=Bristol|isbn=978-1-84150-489-6}}
* {{Cita libro |apellidos= {{versalita|López Landabaso}} |nombre= Patricia|título= La performance como medio de expresión artística. Expresiones actuales en el País Vasco. (Tesis Doctoral)|url= https://addi.ehu.es/bitstream/10810/18797/1/TESIS_LOPEZ_LANDABASO_PATRICIA.pdf.pdf|año= 2017|editorial= [[Universidad del País Vasco]]|isbn= }}
* {{Cita libro |apellidos= {{versalita|Molina Ruiz}} |nombre= Irene |título= El autorretrato como canalizador del dolor (Tesis Doctoral)|url= https://digibug.ugr.es/handle/10481/43629 |año= 2016 |editorial= [[Universidad de Granada]]|isbn= 9788491258148}}
* {{Cita libro |ref= Peñuela|apellidos= {{versalita|Peñuela}}|nombre= Jorge|enlaceautor= |título= Anarqueografía del pensamiento artístico|url= |año= 2017|editorial= UD Creaciones|isbn= 978-9585434172}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Rockwell}}|nombre= John|título=Preserve Performance Art?|fecha=30 de abril de 2004|editorial=New York Times}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Schilling}}|nombre1=Jürgen|título=Aktionkunst. Identität von Kunst und Leben?|fecha=1978|editorial=Verlag C. J. Bucher|isbn=3-7658-0266-2}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Schimmel}}|nombre1=Paul|título=Out of Actions: Between Performance and the Object, 1949-1979|editorial=Thames and Hudson|ubicación=Los Angeles, Library of the Congress}}
* {{cita libro|apellidos1={{versalita|Smith}}|nombre1=Roberta|título=Performance Art Gets Its Biennial|fecha=2 de noviembre de 2005|editorial=New York Times}}
* Julian Beck, ''El Living Theatre'', Fundamentos, Madrid, 1977
* John Tytell, ''The Living Theatre: Arte, Exilio y Escándalo'', La liebre de Marzo, 1999
* Julian Beck, ''The Life of the Theatre'', City Lights, San Francisco, 1972
* Julian Beck y Judith Malina,&nbsp;''Paradise Now'', Pantheon, New York, 1972
* Pierre Biner, ''Le Living Theatre'', Éditions L' Âge de l'Homme, Losanna, 1968
* Carlo Silvestro, ''The Living Book of The Living Theatre'', Edizioni Mazzotta, Milano, 1971
* Jean-Jacques Lebel,''Entretiens avec le Living Theatre'', Éditions Pierre Belfond, París, 1968
* Aldo Rostagno y Gianfranco Mantegna,&nbsp;''We The Living Theatre'', Ballantine, New York, 1969
* Giuseppe Bartolucci,&nbsp;''The Living Theatre'', Edizioni Samonà e Savelli, Roma, 1970
* {{Cita libro |apellidos= Grupo FIDEX|nombre= Figuras del exceso y políticas del cuerpo |enlaceautor= |título= Atlas técnico-conceptual del grupo de investigación Fidex: Micropolítica en la investigación contemporánea en Bellas Artes. |url= |año= 2018 |editorial= Universitas Miguel Hernández.|idioma= es|isbn= 978-8416024711}}
* {{cita libro|apellidos1=Castellanos|nombre1= Polonia|título= "Libertad de expresion y libertad religiosa en España." Anuario de Derecho Canónico|fecha=2018|ubicación=|issn=2254-5093}}
* {{cita libro|apellidos1=V. Ponkin|apellidos2= I. Slobodchikob|nombre1=Igor |nombre2=Viktor|título= "Evaluation of the Exhibit "Amen" of Abel Azcona."|fecha= 2019|ubicación=Università Degli Studi di Milano|issn=1971-8543}}
* {{cita libro|apellidos1=Alcázer Guirau|nombre1=Rafael|título=“Símbolos y Ofensas: Crítica a la protección penal de los sentimientos religiosos.”|fecha=2019|ubicación= [[Universidad Rey Juan Carlos]]|issn=1695-0194}}
{{reftermina}}

== Enlaces externos ==
{{commons}}
{{wiktionary|performance}}
{{RAE|performance}}
* [https://www.rtve.es/alacarta/videos/metropolis/metropolis-esther-ferrer/1252983/ Monográfico sobre la artista de performance [[Esther Ferrer]]]
* [https://mai.art Web oficial del [[Marina Abramović]] Institute]

{{Control de autoridades}}
{{DEFAULTSORT:Arte Performance}}
[[Categoría:Performance| ]]
[[Categoría:Arte efímero]]
[[Categoría:Palabras y frases en inglés]]